Es difícil definir la nueva música hecha en chile. Incluso centrándonos en el rock y pop. Más bien hay una dispersión de escenas, géneros, estéticas e incluso planes de promoción. Todo esta “novedad” –impulsada, sin duda por la masificación de internet desde fines de los noventa- choca contra la forma tradicional –léase industria- que dominó los últimos treinta años y que es representada por bandas como Los Tres o Los Bunkers. Así se dan paradojas: mientras algunas bandas nuevas gestionan sus discos o salidas al extranjero, todavía hay algunos que sueñan con que los “descubran” y puedan sonar en la radio.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Cuaderno (Fundación Pablo Neruda), verano 2011

UNA BRECHA. El 2010 regresaron Los Bunkers y Los Tres, posiblemente las bandas más trascendentes -a nivel masivo- del rock/pop chileno. Los primeros sacaron Música libre una colección de versiones de Silvio Rodriguez. Los segundos, Coliumo, álbum de 17 canciones que insisten en el rockabilly-foxtrot-cueca con que el público los asocia. Ambas producciones fueron lanzadas con prensa (no especializada), grandes recitales y apariciones en televisión. Es decir, “a la antigua”. Incluso los links para descargar los discos compartidos por los fans fueron “quitados” de blogs y fotos por los sellos respectivos. Mientras tanto, en la nueva escena independiente las bandas no tienen ningún problema en subir los discos gratis, negarse a entrevistas, dialogar -o discutir- por las redes sociales. Artistas que van desde el pop como Dënver hasta el piano rock de Carolina Nissen, desde el rock moderno de Fother Muckers al neo-folclore de Diego Peralta. Este último, de hecho, ha organizado todas sus giras por el país y Argentina gracias a los amigos que va haciendo en internet. Evidentemente, hay una brecha no sólo tecnológica o de la “industria musical” que los sostiene, sino también generacional.

EL FACTOR MYSPACE. Antes de Twitter y Facebook, para las bandas nuevas la gran plataforma “social” de internet era Myspace. Un sitio -actualmente reformulado- que permitía no sólo colgar canciones en formato mp3, sino que también subir fotos de recitales, anunciar noticias o vincularse con los myspaces de sus influencias. Esto, sumado a páginas web/programas radiales como Super45 o Perdidos en el Espacio, ayudó a la creación de “microescenas” en la primera mitad de la década pasada, desde el hip-hop de Colectivo Etereo (que subía al instante sus collages sonoros compuestos y grabados en la pieza) hasta el pop de cámara de Les Ondes Martenot. Bandas con una base sólida de fans, mucha comunicación via internet y canciones que se escapaban a la lógica comercial radial. Bandas un poco más “convencionales” (en el sentido estilístico) como Guiso, Ganjas, Tsunamis o Ramires se fueron sumando a este eclosión indie. En regiones, sin embargo se seguía viviendo como en los viejos tiempos a excepción de fenómenos puntuales como la escena electropop de Talca o el emo-core de Concepción, sostenidas a través de Fotologs o bares convertidos en salas de conciertos.

SUBVENCIÓN VS. AUTOGESTIÓN. Desde la segunda mitad de la década pasada hasta hoy, la brecha es insalvable. Podríamos hablar incluso del asentamiento de la autogestión frente a la vieja subvención que dominó el mundo de la música popular moderna. Mientras por un lado habían bandas nuevas que aun intentaban entrar a la “industria” (esto es, conseguir productor, llegar a la radio o canales, ser contratados por un sello, editar un disco), por el otro había musicos que se agrupaban, que se autoproducían (desde canciones a giras internacionales) o que fundaban sellos como el netlabel Pueblo Nuevo, Cazador Records o Infanta Terrible. Todos con criterios estéticos y editoriales propios y siempre a la búsqueda de nuevas propuestas. De hecho este último generó un nexo para que músicos nacionales vayan a España y viceversa.

CANCIONISTAS. Uno de los primeros cambios importantes registrados por los medios masivos fue la aparición de los cantautores que tomaban intuitivamente elementos del folclore, punk, electrónica y pop más “alternativo”. La mayoría ha editado discos este año: Gepe (Audiovisión), Javiera Mena (Mena), Manuel García (s/t), Leo Quinteros (Los días santos), Angelo Pierattini (Vampiros) o el ex Teleradio Donoso, Álex Anwandter (Odisea). Javier Barría está por sacar nuevo material. Curiosamente, a excepción de PedroPiedra (quien tocó la batería con Jorge Gonzalez en el reciente festival chileno-argentino El Abrazo), todos ellos siguen siendo vistos fuera del rock chileno canónico. Como si fueran intrusos en un mundo habitado por Los Tres, Javiera Parra o Chancho en Piedra.

ESTRIBILLOS. A diferencia de los noventa y principios de 2000, actualmente la producción nacional se maneja con criterios “profesionales” no sólo en el sonido, sino en la construcción de canciones. Antes, bandas como Canal Magdalena, Glup! o Santos Dummont destacaban de la media porque hacían “canciones con estribillos” a diferencia del resto sumido en el funk o la demostración virtuosa de los instrumentos. Actualmente todo el espectro de bandas concuerdan en la importancia de la melodía. Desde Primavera de Praga que oscila entra la psicodelia y el pop británico histórico hasta Las Lilits, banda de punk-pop femenino.

EL REDESCUBRIMIENTO DEL “CORAZONES” DE LOS PRISIONEROS. Si bien es innegable la dispersión del rock/pop chileno actual, hay ciertos rasgos comunes en los proyectos más exitosos. Hablábamos de Javiera Mena, Pedro Piedra, Gepe, Anwandter o Dënver, solistas y bandas que han construido prestigio en el extranjero y que rinden tributo a un disco maltratado por la crítica de su tiempo: Corazones, el disco tecnopop y “despolitizado” (aparentemente, al menos) de Los Prisioneros. Canciones escapistas, lujuriosas y bailables que ahora son leídas como una liberación de la lucha por la democracia, que han sido revaloradas. Sin duda, Jorge Gonzalez, es el único puente de la nueva generación con el rock chileno clásico.

LA ¿NUEVA? CUMBIA. Si en Argentina la cumbia fue resignificada con las tecnologías digitales y la ironía -remitirse al catálogo de ZZK Records-, en Chile ha ingresado al público rockero, sin ningún maquillaje. De hecho, bandas impulsoras como Chico Trujillo o Juana Fe, hacen una lectura casi literal del viejo repertorio cumbiero-popular. Un movimiento que va mucho más allá del fenómeno de temporada y cuyo símbolo es Villa Cariño una agrupación que llevó este ritmo desde el tradicional Galpón Victor Jara al Club Amanda de Vitacura. Algunos incluso lo han llamado “Galpón Jaime Guzman”. Entre esta cumbia y fenómenos masivos como Americo, la diferencia la hacen los pequeños detalles que vienen “del rock”: volumen, cierto despliegue instrumental y cierta desprolijidad frente a la estructura clásica de la cumbia.

BLOGS, LINKS, REDES SOCIALES. En general la prensa especializada se refugia en secciones de “Cultura y Espectáculos” y revistas como la Rolling Stone, Extravaganza, iPop o Rockaxis. Los puntos de vista son, en general, centrados en el dato duro (fechas y costo de los recitales), el reseñismo (“describir” los estilos y canciones de un disco) o la entrevista promocional. Si bien en internet, la tendencia es mas o menos similar –anulando la experimentación, polémica o aventura de la prensa internacional- al menos hay un campo interesante para compartir enlaces de descarga de disco. Este punto es interesante: aunque hay instancias de descarga legal y a precios relativamente accesibles como Portaldisc, los links de descarga siguen siendo el acercamiento más directo a las “nuevas musicas”. En efecto, la novedad no es que se puedan subir discos en archivos .zip a internet, lo interesante es como estos links fluyen en Twitter y Facebook. El camino natural, después de Myspace. Esto, además se colgar recitales o videoclips en Youtube o Vimeo.

DISPERSIÓN. Por supuesto que hay contradicciones. Quizá nunca hubo tantas bandas y proyectos nuevos, pero las salas de concierto siguen siendo las mismas más algunas que abren y cierran. También hay cierto amateurismo en el manejo de las relaciones públicas (hay bandas que insultan directamente al crítico del disco). Además, aun no está completamente inventado un canal de distribución para la nueva música. Algunos venden sus discos en los recitales o ferias de diseño. Otros lo suben a mediafire o rapidshare (gestores de archivos) y luego lanzan el link en sus sitios. No faltan los que piden borrar el disco de los foros, temerosos de “compartir” gratis su obra. Mientras en el antiguo orden había una estructura que ordenaba las cosas, ahora todo es difuso. Sobretodo en la agotadora discusión por los derechos digitales o la ley que obligaría a las radios a tocar un 20% de música nacional en las radios.

PERSPECTIVAS. Hay teorías que dicen que el nuevo estadio de la música será componerla y compartirla con los amigos. Esto, por supuesto, no significa que desaparezcan los recitales o las grabaciones. Sin embargo, es muy interesante ver como los costos de grabación se van reduciendo cada vez más y existe todo un aparataje que permite manejar y mostrar esa música (redes sociales, mp3, pendrives). Durante un tiempo continuará la discusión, pero todo tiende a que el viejo modelo termine convirtiéndose en algo distinto. Pero, aun falta mucho: según un informe de la revista The Economist, esta misma industria musical global nunca había estado mejor que ahora, gracias los conciertos en vivo.

Materiales

5 discos

JAVIERA MENA/MENA (2010, UNION DEL SUR)

Mena está destinado a ser escuchado fuera de nuestras fronteras, porque está en sintonía con el pop que se hace actualmente. Lograr mirar más allá de nuestras apretadas fronteras y crear canciones de estándares mundiales es el gran logro del disco. Por algo se lanzó por iTunes. Es difícil que los antiguos fans se sientan decepcionados. Más bien vivirán el mismo proceso compositivo de la autora al escuchar estas nuevas canciones. Y, al final, comprobar que el camino elegido fue el correcto.

GEPE/AUDIOVISION (2010, QUEMASUCABEZA)

En Chile, siempre ha existido una brecha entre el folclor y la música popular. Hits radiales -y sociales- como “Todos juntos” o “Lejos del amor” aun hoy son excepciones. En este contexto, el gran aporte de los nuevos cautores -Gepe, Camila Moreno, Diego Peralta, Pedropiedra- ha sido llenar las grietas y vacíos a pura intuición. En lugar de remitirse a una estructura o tradición, en su obra hay mucho de imaginación y riesgo. Aunque alcancen o no buen puerto. Por algo el autor de Audiovisión elude “explicar” su música. O la influencia de Víctor Jara, el pop, el post-rock o la electrónica. Elementos que ciertamente están en su propuesta desde el elogiado 5×5 (2004). Simplemente porque su estilo no viene de un lugar definido, sino que está en desarrollo. Este disco continúa esa línea evolutiva. ¿Cómo podríamos definir si no “Amigos vecinos”?. Una canción que comienza con un dejo de tonada y está acompañada de palmas, pero al rato entra un piano y un coro. O “Alfabeto”, que a pesar del arpegio de guitarras que remite al canto nuevo, tiene una excelente percusión nortina y una línea vocal más cercana al dream pop que a la música de raíz.

ALEX ANWANDTER/ODISEA (2010, OVEJA NEGRA)

Este disco-proyecto, que en rigor sólo menciona a su autor en los créditos, utiliza una batería de recursos sorprendente: efectos de teclados antiguos, diálogos grabados, sonidos de vehículos, ecos en las voces, pianos, violines. Pero a la vez adopta una estética bailable en su estilo más ortodoxo: canciones que se extienden por más de cinco, siete o nueve minutos con el único objetivo de provocar el trance en el oyente o bailarín. Y todo esto se traduce, a la vez, en una libertad (y humor) para encarar las composiciones que está claro que el rígido estándar del pop le hubiese impedido.

FOTHER MUCKERS/SI NO TIENES NADA QUE DECIR ENTONCES CALLA (2010, CAZADOR)

En el mapa del pop-rock nacional, pocas bandas aprovechan la oportunidad de sonar a presente. Claro, están los netlabels y ciertos proyectos autogestionados, pero a nivel masivo, el panorama es desalentador. Ahí tienen a Chancho en Piedra, Lucybell o Los Bunkers, versionándose alegremente. De ahí la importancia que cobraron agrupaciones como Teleradio Donoso y Fother Muckers, que emergieron de forma paralela y jamás ocultaron sus ganas de alcanzar la masividad. Ambas bandas, comparadas y a veces enfrentadas en guerrillas de blogs o posteos, intentaban impulsarse desde el presente. Esto es asumir las influencias del pasado (en este caso, los Beatles, la invasión británica o Neil Young) pero tomando fuerzas del “sonido ambiente”. Esa mezcla de hits radiales, discos recomendados y métodos de producción que definen lo actual.

3 WEBS DE CONSULTA

www.musicapopular.cl

www.mus.cl

www.super45.cl

2 SELLOS
CAZADOR
http://www.sellocazador.cl/
PUEBLO NUEVO
http://www.pueblonuevo.cl/

Por JC Ramírez Figueroa
En nuestra cartografía musical Sol y Lluvia encarna el mismo rol que Los Redonditos de Ricota en Argentina o The Grateful Dead en Estados Unidos. Agrupaciones que desarrollaron un “rock-pop de raíces”, capaz de representar y movilizar tanto al público universitario como a las clases obreras.

Amaro Labra (voz y guitarra) celebra la comparación con la banda del fallecido Jerry García. No por nada, Sol y Lluvia se formó en 1979 gracias al interés de sus miembros por el rock clásico (que tiene mucho de country, blues y folk) y la Nueva Canción Chilena, arrasada por el Golpe de Estado.

-Es cierto, tenemos esa onda. Y quienes escuchan también son capaces de viajar largas distancias -dice contento.

La banda nació en La Legua a partir de un taller de serigrafía instalado por Amaro junto a su hermano Charles Labra en 1975. Aunque no eran propiamente “católicos”, si estaban ligados a la Iglesia Cristo Rey a la que asistían desde chicos y que sirvió de oasis en tiempos duros. Espirituales, folclóricos y rockeros comienzan un dúo llamado Antuanca (Sol Rebelde en mapudungun) para convertirse, tres años, después en Sol y Lluvia. Su disco debut se llamaría Canto + vida (1980) y sería un éxito dentro del circuito de resistencia a la par que el dúo se convertía en banda con percusiones e instrumentos eléctricos.

Después del disco La vida siempre (2000, Alerce), Charles se separa del grupo, formando el grupo Antu kai Mawen (Sol y Lluvia en mapudungun) que, según ha declarado en entrevistas, busca recuperar el sentido original de la banda. Sin embargo Sol y Lluvia ha seguido activo gracias a discos como La conspiración de la esperanza (2004, Universal) o el DVD Sol y Lluvia vive!!! (2005).

Este sábado 12 de septiembre en el Velódromo del Estadio Nacional, la banda probará, una vez más, su poder de convocatoria para festejar sus 30 años. El grupo está formado en la actualidad por Amaro Labra (voz y guitarra), su hermano Johnny Labra (bajo), su hijo Harley Labra(batería y percusión), además de Patricio Quilodrán (quena, zampoña, charango y voz), Marcelo Concha (quena, zampoña, charango y coros) y Joseph Barahona (quena y zampoña).

Sol y Lluvia tiene una carrera con hitos como la creación de “Un largo tour” y “Para que nunca más”, grandiosos himnos de resistencia ante la dictadura militar, o la largada de 40 mil copias vendidas de A desatar esperanza (1987) y + personas (1988), ambas promociones independientes y que no gozaron de ninguna publicidad. A eso se suma el hecho de ser la primera banda chilena en llenar el Estadio Nacional en un concierto individual, en 1999.

-Estamos creando un nuevo disco ahora y lo pasamos muy bien con eso. Nuestro flujo de discos es a escala humana. Tres o cuatro años pasan entre ellos. Ese ritmo de trabajo nos tiene felices, los medios replican bien la cosa, la gente necesita creer en algo y nosotros buscamos ayudarlos a ellos en esa búsqueda. Hay Sol y Lluvia para rato.

-Imagino que están concientes de que son una de las bandas más populares de la historia de Chile, que muchas canciones han trascendido el tiempo, ¿cómo manejan ese legado?

-Nos hemos ido dando cuenta muy lentamente en realidad. No era una preocupación nuestra, pero ha habido una respuesta increíble por parte de la gente. El año pasado estábamos el 11 de septiembre en la Universidad del Bío-Bío y habían más de siete mil jóvenes de entre 17 y 22 años que cantaban, armando un coro impresionante. Fue una sorpresa bastante grande ver como estos jóvenes nos conocían, y no sólo una sino casi todas las canciones. Ahí uno piensa que es un hito dentro de la música chilena y que crece hasta el día de hoy. Seguimos viviendo al ritmo de estos años.

-Sorprende comprobar que en los ‘80 ustedes como grupo no estaban comprometidos con ningún partido político, más bien pasaban por encima.

-No había militancias partidarias en el grupo. Hay diferentes tendencias, menos una (se ríe). Estamos marcados por una cultura de los Derechos Humanos y de la libertad que creemos no existe en la derecha de este país.

-A propósito de eso, ¿piensas que los grupos actuales, a diferencia de los ‘80, no se vinculan a los procesos sociales y políticos del país?

-Estamos llegando a una etapa en que debería reactivarse el compromiso. Hay extensas etapas de recreo en que no se siente amenazada la vida. Pero ahora efectivamente está amenazada la vida y el medio ambiente. En Centroamérica, que no está muy lejos de nosotros, ya hay una dictadura instalada en Honduras, por ejemplo. Cuando terminó la dictadura militar acá hubo un recreo, pero uno no puede ser tonto todo el tiempo y tampoco desprenderse de lo que pasa a tu alrededor. Yo creo que hay de todo, gente que se compromete y gente que no. Lo que si siento es que hay muy buenos músicos…

-Entonces, ¿eres optimista respecto a nuestros jóvenes?

-Acá hay un tremendo capital funcionando. Creo que pronto van a surgir personalidades y preocupaciones más políticas. Hay escuelas gigantescas como Violeta Parra y Víctor Jara, que regalaron una forma de hacer canciones no sólo en la música, sino también en las letras. Uno no puede competir con Estados Unidos haciendo jazz o rock. Uno tiene que remitirse a su identidad y creo que acá se está desarrollando una música asociada nuestra tierra. Hay un sonido santiaguino, hay un sonido de Concepción. Están brotando músicos y considero que ésta es una etapa bien potente. El mismo hecho que a nosotros los jóvenes nos valoren, significa algo.

-Sol y Lluvia fusionó intuitivamente rock y raíces latinoamericanas…

-Tenemos una escuela rockera fuerte. Jimi Hendrix, Lennon, Led Zeppelin, Grand Funk, The Doors. Pero también tenemos la Nueva Canción Chilena, Inti-Illimani, Violeta, Víctor Jara. Éramos jóvenes antes del Golpe y alcanzamos a vivir esa etapa, cuando se estaba desarrollando esa fusión entre rock y folclor por los Blops o Los Jaivas. Pero nunca fue tan pensado. Desde los quince años que yo componía y me interesó el folclor porque era lo que se escuchaba en ese momento. Cuando integramos percusión comenzó a nacer un sonido “de tribu”, que podríamos llamar “música santiaguina”. De occidente recibimos el rock, del norte el charango y del sur tenemos la música campesina. Todo eso llegaba a Santiago. Y a principios de los ‘70 sonaba en la radio. Por ejemplo, Patricio Manns, que era todo un hit, incluso a fines de los ‘60.

-De hecho Manns utilizaba teclado eléctrico.

-Hay algo que quedó trunco en esa época. Me acuerdo de Víctor Jara con los Blops (“El derecho de vivir en paz”). Nosotros sentimos que somos continuadores de esa idea. Nunca lo planeamos, eso sí. Recién ahora que miramos hacia atrás nos damos cuenta de eso. Al final, simplemente somos una guitarra, una voz y alguien que hace canciones, que soy yo. Después se agregó un bombo, charango y un bajo eléctrico. Era la lógica hacerlo así, fuimos rockeros y folclóricos desde siempre.

-¿Cuándo se dieron cuenta que tenían un arrastre popular que otrs grupos no tenían?

-Yo creo que fuimos los primeros que mezclamos un asunto rítmico con esperanza. Había alegría y protesta, pero siempre con la idea de construir algo distinto. Es lo que hacemos con nuestras vidas. Todo lo que escuchas es lo que vivimos. No es que nos sentemos a construir una canción así. Son respuestas y soluciones que nosotros creemos.

-Lo que ustedes retrataban en los ’80 es actual aún.

-El tema de la pobreza no avanza. Y nos referimos también a la pobreza de no crecer como personas. Queremos que haya juicio de verdad. Es irrenunciable para nosotros. Sin bronca, pero con justicia. Sentimos que hay que hablar y construir y dejar de hacernos los tontos. A principios de los ’90 había gente que pensaba que Sol y Lluvia no tenía nada que decir, cómo si nosotros fuésemos solamente un instrumento antidictatorial. Y acá estamos.

-¿Es verdad que fueron perseguidos por la CNI?

-Nosotros fabricábamos nuestros afiches. Nos detuvieron cuando estábamos repartiendo junto a mi hermano panfletos y también intentaron quemar nuestro taller. En el primero estuvimos secuestrado dos días. Al menos no hubo tortura física, porque era el período en que la DINA estaba convirtiéndose en la CNI. Lo segundo fue un atentado un día domingo, no tengo bien clara la fecha. Por suerte estábamos en el taller y alcanzamos a apagar el incendio. Sin embargo no quisimos difundir mucho eso, sólo a la Vicaría de la Solidaridad. Hacerlo público hacía más mal que bien, porque se estimulaba el terror y el miedo.

-“Para que nunca más” es una de sus grandes canciones, ¿Nos podrías hablar de ella?

-Había una campaña de la Iglesia que tenía el mismo nombre. Nosotros propusimos esa canción. Salió sola, porque acá no hay mucho pensamiento ni nada. Salen simplemente. Hay tantas canciones… me he dedicado a repasar, porque ya puedo mirarlas como si no fuera yo quien las  construyó y es muy loco. Hay temas que me alucinan hasta hoy.

-¿Qué pasó en los ’90 con ustedes? ¿Hubo algún cambio profundo en su propuesta?

-Fue duro del ’90 al ’94, porque nos dimos cuenta que debíamos empezar de nuevo. Creíamos que si teníamos presencia dentro de los medios alternativos en el anterior régimen, con la democracia deberíamos estar presentes. Por ejemplo en la televisión. Pero eso no pasó y tuvimos que empezar de nuevo el recorrido. Y eso llegó a su punto cúlmine el ’99 cuando llenamos el Estadio Nacional. Eso nos refuerza. Si me preguntas por qué somos tan importantes para la gente, simplemente lo hacemos. Y sabemos que ellos necesitan estar juntos, necesitan reconocerse como gente bonita, trabajadora y bajo un paraguas que la proteja de un sol demasiado fuerte y de un invierno demasiado crudo. Y nos sentimos capaces de eso. Tenemos los apoyos y tenemos el recambio que nos ayuda en eso.

-¿Te das cuenta que Sol y Lluvia fue capaz de llenar un Nacional sin pertenecer jamás a la industria ni a lo establecido?

-Yo creo que lo que nos salva de volvernos loquitos es no pescar mucho el cuento que somos tan conocidos y tan grandes. Eso hay que sentirlo, hace bien para el ego, pero hay que hacer el ejercicio de parar y sentir que somos del público. Que todos somos capaces de generar una fuerza suficiente y construir país y derrotar dictaduras. Qué estemos en un escenario es accidental. Esa división es simplemente para que instalemos los instrumentos y toquemos. Todavía me acuerdo cuando perdió Pinochet en las elecciones del ’88 el Fortín Mapocho publicó: “Adiós General. Intérprete: El pueblo. Autor: Sol y Lluvia”.

Treinta años en vivo

Sin la presencia del histórico hermano del entrevistado, Charles Labra, a cargo del grupo Antu Kai Mawen, el concierto estará cargado tanto a los hits históricos como “Un largo tour” y “Adiós General”, como a sus nuevos éxitos populares (“Prestado al sol”, “La píldora”).

-La idea de este recital, es hacer un recorrido lo más fiel posible de lo que han sido estos 30 años en la fabricación y construcción de canciones. O mejor dicho “crónicas”, porque nos consideramos observadores y protagonistas de los acontecimientos. Lo hemos mantenido en el tiempo.

-Me imagino que hay nervios, aunque seguro que van a llenar el estadio una vez más.

-Luis Jara dijo una vez que cualquiera llena el Nacional a dos lucas. Eso es un juicio sobre lo que valen las personas. Es como si las personas que pagan dos lucas son menos importantes. Nosotros trabajamos en la idea de “la revolución de lo cotidiano”. Nosotros estamos preocupados de fomentar las mejores relaciones entre las personas. Lo hago con harta humildad. Porque uno igua comete errores. Pero lo importante es que somos reales, como las fotos de los afiches.

-¿Y esto se va convertir en DVD?

-Creo que es súper necesario registrarlo. Depende de cómo salgan las cosas, podríamos editarlos.

Publicado en Emol, 9 de septiembre 2009

Por J.C. Ramírez Figueroa

Fue amor a primera vista. Mientras la mayoría de sus compañeros elegía la guitarra o la batería, desde chico Ignacio Hernández (30) se quedó con el acordeón. “Es su sonido lo que me atrapó y volvió loco”, explica en la Escuela de Música de la U de Chile, donde imparte clases en la cátedra de Acordeón. El músico acaba de lanzar el disco A contramano, su debut tras haber sido seleccionado en el concurso del Sello Azul. El registro es una panorámica de estilos que van desde el desenfreno estadounidense de “Dizzy fingers” al clásico sonido francés de “Reine mussete”. Desde la “música ciudadana” de “Tango uno” al foxtrot con líneas R&B de “Adiós Rabanito”. Esta última, un homenaje al fallecido cuequero Rafael Berríos (1926-2005), una de sus influencias.

“Yo soy bien perfeccionista y quería grabar un disco que sonara bien, que fuera acústico” -explica el músico- “pero las canciones nos salieron en una toma. Me gustaba tanto como quedaban que no había necesidad de hacerlas de nuevo. Es que los músicos que trabajaron conmigo eran muy buenos”. Se refiere al baterista Félix Lecaros, al contrabajista Pablo Menares en contrabajo y al guitarrista Cristóbal Gómez (“que viene de la escuela de la guitarra francesa”). Lo grabaron durante una mañana de lunes y el martes ya estaba mezclado.

-¿Cómo fue que elegiste el acordeón?
-Yo tocaba folclor con Los Chenitas, un grupo de San Bernardo, desde los doce años más o menos. Llegaba con un carrito de instrumentos: charango, mandolina, guitarra, percusiones. Pero el acordeón me gustó mucho más. Su sonido, sobretodo. Lo escuché y dije: “esto la lleva”. Pero era un instrumento muy caro. Mi papá fue baterista en la época de la Nueva Ola y junto a mi mamá siempre me apoyaron. Por eso me compraron este instrumento. Yo tuve el síndrome Guillain-Barré, una rara enfermedad que me tuvo inmovilizado por seis meses. Lo peor era que no podía tocarlo. Tenía que usar un teclado y apoyarlo en el pecho, para guiarme con las notas. Es muy importante esto, y nadie me lo había preguntado en las entrevistas.

-Después te pusiste a estudiar. ¿Había una especialidad en el instrumento acá?
-Me formé con la cueca. Escuchaba las grabaciones de oído y las sacaba. Tenía facilidad para eso. El problema fue cuando salí del colegio. Tenía como opción la veterinaria y la música. Elegí la música. Total, pensé, los músicos buenos siempre tienen trabajo. Entonces decidí ser un músico bueno y me voy a sacar la mierda trabajando para serlo. El problema es que no había una especialidad de acordeón. Afortunadamente conocí gente como Hugo Rivera, profesor “organero” que me empezó a mostrar la música francesa y la italiana. Pero yo prefería el folclor porque sentía que la otra música era muy difícil de tocar, muy lejana, demasiado virtuosa.

-¿Participaste en grabaciones durante esa época? ¿Tocabas con otra gente?
-Con Los Chenitas. También fundé Las Capitalinas y Los Santiaguinos. Y se me olvidaba… a los 18 años fui a Europa. Toqué y grabé con el cantor Héctor Pavez (Song & dances from Chile, 1997). También estudié en París con el maestro Jo Lavere.

-¿Y al final donde estudiaste?
-Me metí a la Escuela Moderna de Música. Como no existía la especialidad, estudié piano, que era lo más parecido. Lo que sucede es que hay muchos músicos que tocan el acordeón y lo enseñan, pero no es su instrumento principal. Seguía practicando como loco, sin profesor. Escuchaba los discos y sacaba de oído. La técnica es tocar muy lento primero, porque aunque saques las notas más o menos bien, si no lo haces lento se te van a notar las pifias. Buscando por Internet el año 2005 supe de un concurso de acordeón de Brasil. Decidí postular, sabiendo que los países que participaban tenían una tradición de acordeón y lo mío era más intuitivo. Pero gané: saqué el primer lugar.

-Quizás eso de no adherirse a una tradición potenció tu estilo…
-Puede ser. El 2007 volví a participar y salí segundo. Pero ahí gané una beca para especializarme durante un año en Brasil. Estudié acordeón clásico con el maestro Dante D. Alonzo. Es increíble allá. Hay muy buena música. A la vuelta decidí grabar un disco para mostrar lo que había aprendido, todos los estilos que estaba practicando. Junté plata para contratar músicos y un estudio filete. Quería un sonido más acústico, más jazzístico, con plumillas. Preparé un repertorio que abarcaba varias tendencias y formas de tocar el acordeón, desde el clásico sonido musette que vemos en las películas hasta cosas más virtuosas. Entramos a las 10 de la mañana y grabamos las bases prácticamente de una. Después toqué el acordeón encima y al otro día ya estaba mezclado.

-Como se grababa antes…
-Sí. ¿Para qué grabar otra toma, si la primera que hiciste salió tal como querías? Si bien es muy difícil reunir a la banda original porque todos tienen muchos compromisos musicales, los músicos (de jazz) que me acompañan son muy buenos también. Mi idea es hacer una gran presentación. Es lo que estoy planificando. Me gustaría encontrar lugares donde mostrar A contramano, como clubes de jazz.

-Aparte de la grabación ¿cuáles son los puntos más altos del disco?
-Me encanta “Argento vivo”. Si te fijas la ejecución es muy exigente en esa pieza. También me gusta como quedó “Indifference”. Suena increíble. Es importante también haber incluido en el disco “Scivolando”. Y también “Adiós Rabanito”. Él era muy buen músico, de esa generación que en los ’50 tocaba foxtrot porque era la música popular de la época. La canción no iba a quedar en el disco y a última hora decidimos hacerla.

-¿Sientes que la enseñanza del acordeón ha cambiado desde que te convertiste en músico profesional?
-De todas maneras. Este año se abrió la cátedra de Acordeón en el Conservatorio de la Universidad de Chile, de la que estoy a cargo. También existe el Club de Acordeonistas de Chile (nota: Hernández fue su fundador). Y también hay muchos jóvenes interesados en el instrumento. Eso es excelente.

Los botones del acordeón colorado

Hernández se ha convertido en un nuevo referente del acordeón en Chile. Su currículum es impecable: ha grabado con la Orquesta Tango-Swing del maestro René Arangua, la Orquesta Sinfónica de Chile, la Orquesta de Cámara de Chile y la Orquesta Folklórica de Chile del Festival del Huaso de Olmué.

Su versatilidad lo ha llevado, además del folclor con Las Capitalinas, Los Santiaguinos y sus queridos Chenitas de San Bernardo, a la música pop. En efecto ha tocado con Chancho en Piedra, Saiko, Luis Jara, Denisse Malebrán, Gloria Simonetti y Palmenia Pizarro entre otras estrellas. Y como todo héroe de un instrumento, el músico acaba de encargar un acordeón personalizado de color rojo y con más botones. Un capo.

http://www.myspace.com/ignaciohernandez
www.myspace.com/ignaciohernandez

Publicado en Emol, 14 de julio 2009

Por J. C. Ramírez Figueroa para Paula.cl, 24 de abril 2009.

1. ¡No puedo tirarme un peo y grabarlo! “Pistola de plástico explora territorios más cómicos. Un disco doble con caras bien definidas: un lado muy oscuro, casi para cortarse las venas, y otro que es para estar jugando o surfeando. Cuando entramos al estudio no había nada definido, para mi fue como ¿qué vamos hacer? Hernán Edwards (guitarra) me puso la pistola al cuello y me dijo “estamos en el estudio y vamos a hacer nuestro tercer disco”. Respondí “¡imposible!” Yo tengo que tener las canciones hechas desde la casa, ¡no puedo tirarme un peo y grabarlo! Después, toda la banda presionó y no me quedó otra que acceder a este experimento”.

2. Con buena letra. “Es cierto que en el rock nacional las letras se descuidan. Escribir una buena letra es prácticamente todo. Siempre me acuerdo de una frase que dijo Jorge González en la canción Trata de escribir, que habla de escribir la historia que está dentro de ti. Parece una frase vulgar y siútica pero para mi ésa es la clave. Para mi la letra es la foto, una foto de un momento. Si la foto se ve armada artificialmente no sirve. Tiene que ser una foto espontánea pero con una dirección definida del tipo que está tomando la foto” .

3. Riffs de mujer. “No, no me molesta la etiqueta de rock hecho por mujeres porque yo no me siento más mujer que hombre. Soy una cosa que le llaman mujer nomás. Me da risa esa manera de ver las cosas de hombre/mujer. Somos una cosa rara que no sabemos. Yo no sé qué soy. ¿Alguien lo sabe? Bueno, pongámosle que mujer porque tengo la voz fina y me salieron pechugas”.

4. Un Ex liberador. “Si no toco me lo pasaría en esas terapias en que anda medio mundo, no resistiría. Con Los Ex me libero de la rabia, la angustia de las colas en los bancos, del tipo que hecha la choreada en la calle. Del smog,  los bocinazos, los rollos familiares. Mientras más debilidades, más fortaleza hay dentro de mi para hacer música. Si mi guitarra es como el forro, le pego hasta que suene”.

5. El futuro de Chile y de Los Ex. “La palabra Bicentenario me da una cosa como vergüenza ajena. Para mí no significa nada porque para el mapuche no significa nada. La palabra chilenidad, me huele a cueca quinchera. Y me odio a mi misma porque formo parte de eso en alguna forma. El capital de Chile es la música mapuche, pero estamos muy lejos de darnos cuenta. Es lo único realmente bueno que tenemos. Pero tampoco tendremos y por eso seguirá siendo lo único bueno.

Los Ex mostraran Pistola de plástico el miércoles 20 de mayo en la SCD Bellavista. Más info sobre donde conseguir el disco acá: www.myspace.com/bandalosex

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, viernes 11 de marzo 2008.

Elizabeth Morris pertenece a la generación que renovó la vieja Nueva Canción Chilena, sobre todo en los ’90. Un grupo integrado por músicos como Francesca Ancarola, Tita Parra, Carmen Prieto, Antonio Restucci o Laura Fuentes, que devolvió el folclor preservado en el exilio a casa. Mientras Los Prisioneros sampleaban a New Order y The Clash, ellos se prestaban y estudiaban los casets de Víctor Jara, Quilapayún, Patricio Manns o Inti-Illimani. “Cuando regresé a Chile tenía dieza años y era la que más me gustaba, porque la escuchábamos en la casa de Alemania. Escuchar esa música acá en era mal visto”, cuenta Morris.

Lo interesante es que cuando todos ellos crecieron y comenzaron a crear música, integraron en sus composicones elementos brasileños, jazzísticos y electrónicos como sintetizadores, convirtieno eso en fusión latinoamericana. “No es que uno lo hiciera premeditadamente, pero ocurrió. De hecho, cuando empecé a aprender a tocar guitarra me salió de forma natural. Aunque escuchara a Kiss y a Abba también”.

Gracias a los cancioneros de la recordada revista La Bicicleta y la sonoteca de la Biblioteca Municipal, mientras aún estaba en el colegio, Elizabeth Morris comenzó a interconectar las distintas influencias de la música popular chilena y así, poder reinterpretarlas. “La investigación es una etapa clara. Acá hay vacíos, períodos completos que son olvidados, discos sin editar. En países como Argentina la música de raíz está integrada a la popular. Vemos a Mercedes Sosa tocar junto a Charly García, por ejemplo”.

Con todo ese bagaje terminó de grabar Nazca (2008), su segunda producción tras Hacia otro mar (2002). Dice que quería estar bien segura de la calidad de las canciones, en lugar de editar todo lo que había producido en el intertanto de ambos discos. “Además me preocupa lograr un buen sonido, algo que me deje satisfecha. Con el primero no quedé tan conforme”, dice. Afortundamente, Nazca quedó impecable. Titulado así debido al nacimiento de su hijo, contiene once composicones, cuatro de ellas instrumentales.

La dura vida del folclorista

‘‘Canción de agua y viento’’ fue la canción con la que ganó en Viña.
Foto: Cristián Carvallo.

-¿Por qué folclor y no otro estilo de música? Generalmente los adolescentes montan bandas de rock…
-Al crecer en otro país como Alemania, la música popular chilena era el ancla con tu país, aunque no lo conocieras. Además al llegar acá, en plena efervescencia política, era más peligroso un charango. La música de los Parra o Inti-Illimani tenía una mística que me gustaba. Me acuerdo cuando era muy chica y en Italia, antes de regresar al país toqué un piano sin saber nada. Me enamoré de la posibilidad de crear algo combinando sonidos. Ya en Chile, cuando tuve que elegir un instrumento en clase de Música y tomé la guitarra el folclor fue lo primero que me salió.

-¿Nada de clases?
-Usaba los cancioneros de la revista La Bicicleta. Después me metía en los archivos de la Biblioteca Nacional y escuchaba casest donde conocí el cajón peruano. Cuando entré a estudiar Sonido en la Universidad de Chile me sorprendió mucho un disco donde Nicomédes Santa Cruz explicaba de forma muy didáctica algunas nociones folclóricas. Fue interesante el grupo de estudiantes de sonido donde me moví, porque lograron reutilizar unos subterráneos que había en la Escuela y convertirlos en salas de ensayos.

-¿Como ves la escena folclórica comparada con los años ’80 o principios de los ’90?
-Igual o incluso peor. Hay menos lugares donde tocar (se lamenta). Hace poco conversaba con Antonio Restucci y él me preguntaba de donde salió la costumbre de empezar los recitales tan tarde y con todo el público curado. Es una lata que por estas cosas culturales gente como él prefiera trabajar en Barcelona. En Brasil la gente toca en la calle y acá te pueden tomar preso. Por lo menos gracias a Internet y MySpace hay un círculo de gente y hay contacto.

-Por lo menos se evita la queja de no sonar en la radio, una batalla prácticamente perdida…
-Yo he ido a reuniones donde gente de la ARCHI (Asociación de Radiodifusores de Chile) explica que la música chilena no suena en la radio porque a la gente no le gusta. Eso es mentira. Sino ni Los Jaivas, ni Illapu, ni Los Tres hubiesen vendido discos. A mí me pasó en un evento en Quilicura donde antes de mi actuación había una obra de teatro. Habrían unas tres mil personas, porque actuaba gente de la tele. Álvaro Rudolphy estaba allí, creo. Luego me tocó salir a mí. Imagínate. Sin embargo la gente se quedó y le encantó, aunque no conociera mis canciones.

-Tal vez porque en los rasgueos, la melodía o el ritmo nos reconocemos…
-Sí. Es una rememoranza que se logra. Sin embargo seguimos prefiriendo a Daddy Yanquee. No sé si es un asunto de autoestima que no valoramos nuestra producción musical o que no somos capaces para jugárnosla por una opinión. Preferimos lo que se supone nos debe gustar. Sin embargo en Europa lo chileno es muy apreciado. En Italia, por ejemplo, se forman grupos que interpretan canciones de Víctor Jarta y aprenden el “chileno” para cantarlas.

Nazca es el nombre del segundo disco de la cantante y compositora.
Foto: Jaime Acuña,

Morris, Matthey, Ancarola. Tres de las voces de una generación fresca en la nueva música de raíz latinoamericana.
Foto: archivo de El Mercurio.

Con José Seves, de Inti-Illimani, cuando ganó la competencia folclórica del Festival de Viña del Mar en 2006.
Foto: Cristián Carvallo.

Guitarra, charango, tiple y cuatro venezolano y puertorriqueño son los instrumentos de cuerda que toca Elizabeth Morris.
Foto: Jaime Acuña.

En la compilación de raíz latinoamericana Música de este lado del sur también hay obras suyas.

A dúo: Elizabeth Morris y José Seves.
Fotos: sitio oficial.

Voz y guitarra

Al escuchar Nazca y sumergirse en sus canciones de nobles armonías y excelente instrumentación uno se pregunta por qué esta música no ha encontrado aún un verdadero espacio masivo. Más allá de la escena de folcloristas, estudiosos y amantes de la música de raíz, no deja de ser curioso que las nuevas generaciones usen más el termino folk que folclor.

Como si todo se tratara de agarrar un guitarra acústica, hacer un par de arpegios y listo. Morris no desconoce la mediática irrupción de gente como Gepe, pero también es consciente que la música chilena corre el riesgo de perder continuidad. De hecho la obra de Violeta Parra está discontinuada: hay más homenajes que discos de ella en stock.

—Afortunadamente se logró esa continuidad. Aunque la percepción del folclor chileno no es como la que tienen los argentinos con la zamba por ejemplo. Allá suena en la radio y la gente la tiene integrada. Acá la recuperación de esta música tras la dictadura y su posterior trasvasije no fue directo, tuvimos que llenar los espacios dentro del folclor con otras músicas”— dice. “Tal vez por eso surgió la opción de la fusión”.

-Tú eres autodidacta. ¿Crees que es fundamental tener “maestros” o “mentores” que te apoyen y traspasen experiencia durante las primeras etapas?
-Claro, pero por otra parte aprender solo te da un valor. La forma de tocar será más personal, más propia, pienso. Yo me integré al grupo Chilhué porque ellos me vieron tocar en un ensayo. Cuando Inti-Illimani regresó y dictaron unos talleres yo fui a postular porque un amigo de mi hermano me avisó que estaban haciendo audiciones. Me asustaba ver a otros llegar con sus partituras, flautas traversas y yo con mi guitarra. Toqué una de Pablo Milanés y una composición mía instrumental. Y entonces quedé.

Elizabeth Morris y su grupo se presenta este viernes 11 de abril a las 21.00 en la Sala Master, Miguel Claro 509. Entradas 3.000 y 4.000 pesos.

www.elizabethmorris.scd.cl

Voces de mujeres fuertes Magdalena Matthey: “Admiro su capacidad de hacer canciones todo el tiempo. Ella es muy prolífica, además de tener una voz preciosa”. Disco nuevo: Afuera (2007). Carmen Prieto: “Ella se ha dedicado al bolero haciendo un trabajo buenísimo. Ella no sólo canta, sino que interpreta con mucha fuerza y estilo, como las cantantes antiguas”. Último disco: Bienvenido Perú (2004). Francesca Ancarola: “Es un mundo musical. Compositora, cantante, metida en círculos diversos como el folclor, el jazz y la canción popular”. Último disco: Lonquén (2006). Tita Parra: “Se le nota lo Parra en la voz, y eso es bueno. Ahora está haciendo una excelente labor con la música brasileña”. Disco nuevo: El camino del medio (2008)

Hermano del fallecido Nino, Francisco es pianista, cantante y compositor. Geniecillo del violín es sus primeros años, luego se pasó al piano, hizo temas para telenovelas, fundó la banda Plástico (¿no la recuerda?) y ahora presentará todos sus temas que se quedaron dormidos en el tiempo.

Por J.C. Ramírez Figueroa para La Nación Domingo, 6 de enero 2008

Somos ocho hermanos, todos músicos: Marianela (viola), Deli (violín), Gonzalo (flauta), Marita (chelo), Marisol (chelo), Ignacio (actualmente es primer corno en la Filarmónica de Berlín) y Nino, que en paz descanse (piano). ¿Alguna explicación a esto? Es un misterio: mi papá es abogado, mi mamá es dueña de casa. Ellos escuchaban música clásica, aunque no creo que sea una razón contundente. Desde chicos, en Valparaíso, hacíamos “música” con cualquier objeto. Hasta que nuestra abuela materna se compadeció y nos trajo un piano vertical a la casa.

A los diez años estudié violín en el Conservatorio de la Universidad Católica. Avanzaba súper rápido: hice cuatro años en uno. El instrumento y yo éramos prácticamente una sola cosa. Sin embargo, por mis profesores caché que mi vida sería ir a Alemania a estudiar y de ahí pasar el resto de mi vida practicando ocho horas diarias. Para siempre. Me atacó el bicho rebelde y lo abandoné. Ellos no lo podían creer.

Tiempo después, a los quince empecé a sentarme al piano y a componer. Eran baladas, nada de dulzonas, sino más bien duras. Siempre estoy componiendo y descomponiendo canciones.

ONE HIT WONDER

En cuarto medio trabajaba en un estudio de grabación y apareció Scottie Scott. Le gustó la maqueta que estaba haciendo y me pidió que compusiera el tema principal de la teleserie “Alguien por quien vivir” (1982). Hice una balada romántica muy influenciada por los italianos. El estreno se hizo con todos los actores en el Casino de Viña. Yo estaba tan nervioso que al tercer compás ya no podía cantar más. Me quedé afónico. Ésa fue mi primera actuación en vivo.

En esa época andaba mucho con Nino, que estaba muy metido en la televisión y la música popular, a pesar de su raíz clásica. Era cuatro años mayor y lo considero aún un maestro.

A mediados de los ochenta trabajaba en la academia de Alicia Puccio, acompañando las audiciones de sus alumnos. Con otros compañeros fundamos Plástico, muy influenciados por Charly García y el rock latino. Grabamos unas canciones, aunque la banda era básicamente para entretenernos. Un día nos llama un productor desde Perú. Estábamos número uno con la canción “Niños durmiendo”. Nunca supimos cómo llegó la canción allá.

Viajamos a hacer promoción y éramos súper famosos. El 88 fuimos a la Plaza de Toros de Lima. Una red de televisión nos llevó para cerrar el año musical de Perú. Fueron 40 mil personas a vernos. Al frente estaba Charly en el Estadio San Agustín y llegaron 2.500 personas.

Tras este “boom” empezamos a sonar en Chile, compartimos recitales playeros con Upa! y Aterrizaje Forzoso, pero Plástico se acabó. No se dieron las coordenadas para que la banda tuviera un sello o una promoción como correspondía. No quedamos en la historia impresa chilena. En las editoriales y los sellos fuimos como fantasmas.

JINGLISTA

Pasé al inconsciente colectivo por los jingles. Yo hice el “Marca, marca, marca con un dedo…” para promocionar un carrier. Tú sabes que los jingles te lo piden desde la agencia, te mandan una referencia de una música que ellos piensan que es para el producto. Y uno debe hacer un “plagio”, sin exceder los ocho compases. Ese tema era el de Molotov “Gimmie the Power”. También hice para Pinturas Cerecita, Universidad Simón Bolívar, Susuki, Bilz y Pap y Coca-Cola (basado en Spoonman de Soundgarden). Para hacer jingles debes ser músico. Aunque no se use la poesía ni el talento, acá se trabaja el ingenio. La parte “intelectual” de la música, digamos.

En los noventa no hice muchas cosas (aunque compuse el tema central de la telenovela “Aquelarre”). Crecí con el pesimismo, bastante bien fundado, con respecto al círculo musical de este país. Aunque creo que internet es la solución de la vida.

Creo que Chile es Virgo, necesita la farándula y la copucha. Una persona tímida e insegura como es la chilena requiere que el otro se fije en el que está al lado. La gente habla de otra persona para que no se fijen en uno. Y de ahí nace la farándula que ha tomado el medio artístico de nuestro país.

MI HERMANO NINO

Nino es un ángel. Demasiado sensible y adelantado para este país. Es un tesoro para Chile que dará frutos a través de la música para la gente. Lo importante en la música es difundirla para que sea valorada. No hay un sistema para que un músico que hace ese tipo de música tenga espacio en Chile. Nino vivía comprimido sin poder expandirse como músico. Lo llamaban de la tele para grabar música “anecdótica”, onda grabar una cueca barroca. Y Nino decía: si tengo millones de músicas para el mundo, ¿por qué tengo que hacer eso? Y ahí de un día para otro hizo una autorrevolución y dijo ya no. No transó nunca más, y eso le costó la vida. Valiente.

Últimamente se me está dando algo mágico. Sin tener ni una ilusión de nada y sobreviviendo con mis pegas en la publicidad, apareció mi hermana Marianela y me concientizó mucho para que mis canciones no se perdieran. Para tentarme dijo: pásame tus baladas, y yo empecé a escarbar.

He pensado que los músicos somos personas con carencia de afecto y hacemos música para tener afecto, para que nos quieran. El aplauso y el éxito y el triunfo en el fondo son cariño.

No me genera un rollo que mis jingles sean más conocidos que las canciones y no se sepa que los compuse yo. Son dos mundos diferentes. El que compone el jingle es el clon.