CRASHBOOMBANG

El crooner canadiense hizo delirar la Quinta Vergara en la primera noche de Festival. Su energética mezcla de swing, hits de la era pre-Beatles, referencias rockeras, piropos al público y homenajes a sus amigos muertos era lo que el público y la “memoria festivalera” necesitaba.

Por J. C. Ramírez Figueroa para Emol, 23 de febrero 2010.

A las dos de la mañana Twitter ardía: “viejo seco”, “tengo que levantarme a las seis pero no puedo apagar la tele”, “¡ahora hace un cover de Nirvana!”, “mi abuelita tenía razón: Paul Anka es un grande”. En la Quinta Vergara, el público –incluyendo por supuesto al fan club que lo seguía desde fines de los años cincuenta– estaba en éxtasis. Y es muy probable que los televidentes sintieran lo mismo, mientras el experimentado crooner pasaba de cantar sus hits a relatar anécdotas, saludar a la gente o recordar, emocionado, lo mucho que quería a Michael Jackson o a Sammy Davis Jr.

Tal como Tom Jones el 2007, Paul Anka enloqueció al “monstruo”. Su repertorio y puesta en escena es todo lo que el Festival necesitaba. Desde que emergió entre la platea cantando “Diana” en clave disco-funk hasta el gran finale con “My way”, el cantante emocionó, sorprendió, entretuvo y escenificó todo lo que entendemos por “show festivalero”. Porque, ¿no es nuestro Festival de Viña el último espacio donde aun respira la canción popular melodramática?

El homenaje a Michael Jackson, donde interpretó “This is it” y por la pantalla gigante se vió al malogrado músico, provocó aplausos y gritos. Es curioso que cuando la canción fue exhumada tras la muerte de Jackson, el mismo Anka denunció que era un plagio. Ahora, sin embargo, narraba que él se acercó a su casa y fue fruto de un trabajo conjunto.

Su interpretación de “Smells like teen spirit” de Nirvana fue reveladora. Despojada de toda su furia rockera (que precisamente desbancó a Michael Jackson de los rankings en 1991), la canción sonaba domesticada y amable, gracias a su irónico cancherismo swing. Al igual que la energética “Jump” (Van Halen) contenida en el disco Rock swings (2005), donde Anka adapta hits del rock en otros formatos.

Y esta idea de “volver a la inocencia de los años cincuenta, antes de que los Beatles arruinaran todo” fue el punto fuerte de Paul Anka. Su interpretación de “You are my destiny”, “Tonight my love, tonight” o incluso “Twist and shout” (original de Phil Medley y Bert Russell) fueron pruebas de esto. Su banda, un ensamble que sólo se soltaba hacia el final cuando los dejaban improvisar, lo apoyaba en esta misión: una presentación correcta, emocionante y edulcorada, a la medida del festival. ¿Cómo iba a faltar entonces “Let my try again”, de la que es compositor y que precisamente en este escenario hizo historia?

Es mi banda favorita del sello Bonjour. Sus singles “Westside” y “Eastside” los escuché montones de veces. Si imitar a los Smiths es mal visto, a ellos no les importa. Y eso se agradece. Si bien, Compass (2008) -que partía con el mismo ruido de mar que PATS- era más postpunk que morrisseano, me gusta lo suficiente como para diferenciar sus canciones y dejarlo sonar completo. Escucharlo en Talcahuano, frente a la Tortuga, como lo hice después del año nuevo antes de volver acá con mi novia y mi gato Elliott, tiene sentido: el sentimiento de abandono, la tristeza de los puertos. La tapa del single Eastside es precisamente un faro, como los que hay allá.

Bye Bye Bicycle, esa extraña melancolía jangle sueca.

mp3

“Eastside” (via Swedesplease)

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“Westside” (via Swedesplease)

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“Sirens” (via Cloudberry Records)

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En la mañana estaba escribiendo, escuchaba una extraña compilación de la Wire y al lado tenía la colección de Apsis de 1991.

Me hizo gracia que la Corrupción haya sido tema de portada prácticamente iniciado el gobierno de Aylwin.

O que mi colega Sergio Paz comentara un disco de Aztec Camera, que ahora aparecen reseñados en blogs indie al lado de las bandas de Sarah Records.

También había en el número del 6 de octubre una entrevista a Morrissey hecha por Jean-Daniel Beauvallet (vía Ajo Blanco).  La titularon: “La soledad del corredor de fondo”. Acababa de lanzar Kill Uncle, su segundo disco con los títulos más brutalmente irónicos de su carrera.

Dice muchas cosas interesantes, que se me habían olvidado que eran importante y me acercaron a sus discos, cuando no eran citados en películas mainstream. Hay frases que ya conocía. Ahora sé de donde la copiaron mis colegas más viejos, temorosos de citar.

Para mí, un éxito no es tan importante como parece. No estoy dispuesto a hacer lo que sea para convertirme en popular…Un amigo me decía hace poco: “Estás loco por decir que no a Top of the Pops. Yo daría mi brazo por estar allí”. Y le respondí: “Pues tendrías un aspecto un poco ridículo en Top of the Pops con un solo brazo.

Pregunta: Existe una teoría que dice que la escena actual de Manchester es fruto de una reacción contra los Smiths. Durante años le has dicho al público que no coma carne, que queme las discotecas, que lea a Oscar Wilde. Ahora de repente aparecen grupos cuyo mensaje es “Hagan lo que se les antoje, dróguense, sean vándalos”.

Es simplemente el cambio de guardia. Cada generación se revela contra la anterior. Los hijos hacen todo lo contrario a lo que hicieron sus padres. Con un poco de suerte, pronto llegará una generación que considerará a los Happy Mondays como unos idiotas y que reinvidicará los valores opuestos a los que acababas de enunciar.

(sobre el cine obrero británico de los sesenta, cuya estética reproducen las portadas de los Smiths). Lo único que quería comprender era la belleza de la trampa, ver a la gente luchar sin tener la más mínima oportunidad, sobre todo en el contexto de la vida familiar, en un mundo que conocía tan bien como el Norte. Esas películas reproducían mi infancia con una dignidad increíble. La gente era auténtica, lo cual no es muy habitual. Y yo quería que las películas fueran el espejo que reflejara mi vida. Necesitaba que me dijeran que no estaba loco

Creía ser la reencarnación misma del paria, del marginado social. Dicho hoy esto, parece casi arrogante, en el límite del romanticismo: el “rebelde”, el “outsider”… Pero no era el caso. Yo era sumamente insignificante.

Pregunta: ¿A quien se lo reprochas?

Es por culpa del gobierno (risas). Era un díscolo, me negaba a prepararme para una vida normal y respondí demasiado pronto “no, gracias”. El único deseo de la gente de mi edad era ahogarse en la masa, ser considerado como un miembro del clan Todo lo que se esperaba de mí me repugnaba. La vida podría haber sido mucho más fácil para mí.

(…) Estaba fascinado por el individuo, obsesionado por el individualismo

Pregunta: Has dicho que eras un niño “terriblemente impopular”. ¿Lo sentías como una fatalidad o una injusticia?

Era una crueldad sobretodo porque yo era un niño encantador. Iba siempre bien peinado, con la raya impecable (risas). Era una impopularidad malvada. La gente de mi alrededor disfrutaba haciéndome sufrir, creían que me lo merecía.

Pregunta: ¿No te sentías un poco orgulloso de tu aislamiento?

Sin duda. Hay un goce perverso y amargo en el hecho de sentirse único, pero hay que pagar un precio muy alto y renunciar a muchas cosas en la vida. Pero debía hacerlo. Hoy en día los adolescentes me dicen: “Mi vida está vacía, no tengo amigos, no salgo, no me gusta este mundo”. Veo que lo que sentía entonces no era un sentimiento exclusivo; en aquel momento estaba solo y convencido de ser el único en esa situación.

Escribir puede ser mucho mejor que tener amigos.

Cuando alguien vive una juventud atroz, su vida no puede sino mejorar.

También habla de su rollo con el celibato (supe que ahora, al fin, encontró novia, bien Mozz!), que en The Smiths, mientras Johnny Marr estaba rodeado de amigos él apenas tenía el gato y que la mejor forma de acabar con la realeza es echarle cianuro al desayuno.

Un ensayo  sobre los Smiths y el jangle publicado acá

Una página que recopila toda la informarción de singles, portadas, ediciones raras y entrevistas

La extraña compilación de la Wire aquí, vía La Increíble Verdad Redux.

Del hype viral a la lata indie mainstream americana

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 18 de febrero 2010.

Esta es la banda que se hizo famosa el 2006 por un video donde ejercían una extraña coreografía en una sala de ejercicios. Esta producción de YouTube (“Here it goes again”) fue linkeada, repetida e incluso parodiada en Los Simpsons. Detrás de este ruido mediático, el grupo no destacó demasiado. Simplemente fueron uno de los hitos de la viralización del pop por Internet. Y otro one hit wonder para las compilaciones americanas de power pop.

Para Of the blue colour of the sky, su primer álbum tras Oh no (2005), donde se incluía aquel single, los muchachos intentan comenzar de nuevo. Para esto reclutaron a Dave Fridmann, ex Mercury Rev y productor del Soft bulletin (1999) de Flaming Lips. De ahí la “psicodelia” de su producción en canciones como “WTF?”,  “While you were asleep”, “In the glass” o “Back from Kathmandu”, saturadas, sobreproducidas y a kilómetros de la amabilidad de los singles que los hicieron famosos.

Pero, como buenos indies estadounidenses, el monocordismo les puede jugar malas pasadas. “This to shall pass”, tendrá baterías altísimas en la mezcla, un piano y efectos “épicos”, pero esta fundado sobre los mismos tres acordes rockandrolleros de “La bamba”. Esta idea de saturar canciones vulgares con efectos “novedosos” persigue a todo el disco: la reverberancia y saturación de “All is not lost”, la distorsión del bajo a lo Primus en “Needing gething”, el funky con estupefacientes de “White knuckles”.

Sólo cuando los OK Go son ellos mismos -o al menos como los conocimos- la cosa funciona. “Skycrapers” es una melancólica pieza soul, con saludable “aire” entre la percusión, el bajo, el jangle de la guitarra y la voz. Nada de saturaciones. Al igual que “I want you so bad I can’t breathe”. Triste, contenida, guitarreada, más cercana a Stevie Wonder que Flaming Lips. “Before the earth was round” cantada con vocoder o el synthpop de “End love”, que recuerdan el disco de Julian Casablancas, también funcionan. Incluso hay una baladita con guitarra acústica: “Last leaf”.

Esta dualidad entre la megaproducción indie estadounidense y el sonido negro hacen que el disco suene contradictorio. Está claro que OK Go es una banda que se acerca peligrosamente al montón de agrupaciones que buscan nuestra atención por Internet. Pero que tuvieron el ingenio y la inteligencia de tener como “capital simbólico” el video de YouTube. ¿Cuantas más lograron eso en la década pasada?

Ok Go / ”Of the blue colour of the sky” (2010, EMI)

1. WTF?, 2. This too shall pass, 3. All is not lost, 4. Needing/Getting, 5. Skycrapers, 6. White knuckles, 7. I want you so bad i can`t breathe, 8. End love, 9. Before the earth was round, 10. Last leaf, 11. Back from Kathmandu, 12. While you were asleep, 13. In the glass

Músicos: Damian Kulash (voz y guitarra), Andy Ross (guitarra, teclados y coros), Tim Nordwind (bajo y coros) y Dan Konopka (batería).

www.okgo.net
www.myspace.com/okgo

más reseñas de discos acá.

Torvill & Dean son una célebre pareja de patinadores sobre hielo que se lucieron en las Olimpiadas de Los Angeles de 1984. Y los ingleses de Help Stamp Your Loneliness le cantan en una de las mejores canciones de 2009, al menos para los blogs de pop independiente que leo. El Ep lo he estado escuchando todo el día y está bastante bien: teclados dominantes (“Parma violet”), melodías amargas y tristes (“Record shop”), algo de kraut alemán procesado por Devo (“Cellophane”, con esos quebres de batería electrónica). En su myspace son algo más luminosos, casi twee, basta remitirse a “17″ o “Tracy Tracy”. Un buen descubrimiento.

mp3:

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(via Finest Kiss)

El single se puede descargar acá. (subido por la misma banda)

Hacer click en la foto

Me gusta el sello Bonjour. El 70% de su catálogo al menos, partiendo por Bye Bye Bicycle (aunque Compass, su debut del año pasado no fue tan The Smiths como habría agradecido). Esa adicción por el shoegaze y el jangle que tienen en Gotemburgo me intriga. Pats es un buen ejemplo de ello. Sus canciones recuerdan a South Ambulance y las maravillosas compilaciones de The sound of young sweden.

Con este mapa de referencias -que también desperdigo en este blog o intento forzar en mis reseñas de música mainstream en Emol- presento esta banda cuyo primer disco se llama Nevadaflickan y fue publicado el año pasado. Encontré una reseña (en sueco) que intenta explicar e sentido del título. Algo así como “mujer de Nevada”  (yo pensaba que era “mujer de nieve”). El columnista habla del escape que representa esa ciudad para los californianos y el resto de Estados Unidos. El lugar donde se ven Ovinis, cualquiera puede fundar su religión, está Las Vegas, con sus bodas y divorcios express, “el alcohol puede venderse en cualquier lugar y momento” (¡como en Chile!) y se llevan a cabo la mayoría de los ensayos nucleares del país. Y eso sumado a irónica exhuberancia de la naturaleza, definen conceptualmente el disco de Pats.

El objetivo de toda la grabación era crear algo sencillo, hermoso y romántico, en lugar de centrarnos en la miseria y los problemas interpersonales, que a menudo es visto como el obvio el punto de partida  para muchos de los llamados grupos de Gotemburgo”, señala la banda formada hace un año por Patrick Jensen (voz y guitarra).

El Myspace de Pats acá

La foto es de Simon Berg.

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“Landed” – Ben Folds (2005)

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“Five get over excited” – The Housemartins (1987)

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En cinco días se agotaron las entradas VIP para el único concierto en Chile de Dir en Grey, padres del rock japonés moderno. Además, las inscripciones en el Instituto Cultural Chileno Japonés se duplicaron este año. Y el interés por la cultura japonesa va en aumento al punto de armar bandas folclóricas de música de ese país. A continuación una mirada a un fenómeno que va más allá de los dibujos animados.

Por Juan Carlos Ramírez Figueroa, para Reportajes El Mercurio, 1 de noviembre 2009.

Cinco rockeros orientales posan frente al Paseo Ahumada. Los adultos que pasan los miran extrañados. En cambio, los adolescentes que vuelven del Eurocentro comentan sueltamente el precio de las entradas. Es el afiche gigante de Dir en Grey, quizá la banda más popular del rock japonés contemporáneo, instalado en la disquería Feria Mix.

El recital, anunciado para el viernes 6 de noviembre en el court central del Estadio Nacional, será el debut de una banda de rock oriental en el recinto y la coronación de la insólita serie de visitas de estrellas del JMusic (música pop japonesa) a nuestro país en el último tiempo.

Artistas como Eizo Zakamoto (agosto, 2008), el dúo LM.C (enero 2009), los cantantes Hiroshi Kitadani y Massaki Endoh (11 y 12 de octubre, 2009) o los rockeros Mucc el 29 de octubre. Muchos incluso vienen directo a Chile como Dir en Grey y continúan su gira en el Hemisferio norte.

Pero uno de los hitos fue la primera presentación en Chile de Miyavi, un compositor de rock japonés. Las 4.000 entradas para su show del 22 de mayo de 2008 en el Teatro Teletón se agotaron en apenas quince minutos. Los organizadores no lo podían creer. Al igual que la gente que pasaba por ahí, al ver los raros peinados de los fans y escenas de fanatismo dignas de barra brava, con chicos cantando a gritos, casi en trance.

Pop naciente. Definir la JMusic y sus ramificaciones es complicado. Tanto como intentar separarlo de lo “visual kei”, término que engloba la estética de las bandas y sus fans: pelos de colores, trajes victorianos, diseños orientalistas. Básicamente es la forma en que Japón procesa el rock y pop estadounidense, pero con guitarras fuertes, ritmos bailables rápidos, baladas muy melodramáticas y puesta en escena teatral.

Para Sebastián Quevedo (20), estudiante de bibliotecología y seguidor de la música oriental, esta generación se formó a consecuencia de las oleadas de información japonesa. “En los ochenta, las series del programa Pipiripao (“Candy”, “Meteoro”). En los noventa, las exposiciones de comic del dibujante Fito Manga y los ciclos de cine del Cine Arte Alameda. Y en el pasado reciente, el programa Resident Hit de la radio Fm Hit”.

Para él hay un renovado interés que se nota caminando por Ahumada los viernes por la tarde y viendo que está repleto de jóvenes “hablando de cosas japonesas”. También gracias a los sushi-bar (hay más de 50 locales locales en Santiago y al menos 3 cadenas importantes) y los juegos de baile como el “Dance Dance Revolution” o el “ParaParaParadise” donde ellos se suben a una plataforma y deben seguir las complicadas coreografías que aparecen en la pantalla.

Esto ha permitido el surgimiento de eventos como el “Anime Festival”, “Anime Expo” o las comunidades Otakuyakuza.cl y Otaku-Usach.cl. El nivel de organización llega a que grupos en el sitio Facebook pidan llevar a la banda “L’Arc~En~Ciel” al Festival de Viña del Mar.

Pensar en japonés. Mientras cae la última lluvia sobre Santiago, un grupo de jóvenes se refugia en una casona de Alcántara para exponer sobre rock o política. Pero no en castellano, sino en japonés.

Es difícil entender sus extrañas modulaciones y sonidos. Por eso antes, repartieron al público asistente fotocopias con los textos traducidos al castellano. Se trata de la versión 27 del Concurso de Oratoria en idioma Japonés, celebrada el sábado 24 de octubre y cuyo premio consistió en becas para seguir estudiando el idioma en el Instituto Chileno Japonés.

“El boom por estudiar japonés viene del animé y el rock. La diferencia con las generaciones anteriores que también rayaban con lo ‘japo’, es que ahora existe internet como disparador de la curiosidad. Así, pueden ver las series en su idioma original y de ahí empezar a investigar la cultura de donde provienen”, explica María Cristina Pérez de Arce, la encargada de asuntos culturales.

El Instituto se formó en 1940 y hoy está ubicado en una casa de cuatro pisos de calle Seminario. En la entrada hay folletos anunciando el mes de Japón que se está celebrando entre octubre y noviembre. También afiches, cuadros costumbristas orientales y hasta una figurita de acción de un transformer. Y, por supuesto, muchos alumnos repasando las materias o estudiando en grupo. El año pasado había treinta inscritos. Ahora hay sesenta, y quedaron decenas en la lista de espera.

Los cursos duran cuatro años, ya que el idioma japonés es bastante más complejo que el inglés. Se compone de dos silabarios distintos: hiragana y katakana, además del kanji, los conocidos ideogramas que son representaciones gráficas del idioma.

Fabiola Niefergold (20) estudia bibliotecología en la UTEM y habla japonés. En el colegio, empezó a asistir a los ciclos de animé del Cine Arte Alameda. Antes de google, estos festivales junto a las revistas y las tiendas especializadas eran las únicas instancias para japonizarse. “De repente empezó a llegar mucha gente. A veces se llenaba tanto que quedaba público afuera”, explica.

A la salida de una de estas proyecciones se quedó leyendo un folleto del Centro de Estudios Integrales de Japón (CEIJA), la otra institución que imparte el idioma en nuestro país. “Viendo estas series en el idioma original a uno le despierta la curiosidad por entender qué dicen. Uno se interesa por su cultura y códigos. Sobre todo al entender cómo ellos, que son muy reservados, explotan a través de sus animaciones. Acá aun se relaciona con algo para niños, pero allá todo el mundo lee y se identifica con las historietas. Y cuando a ti te gusta algo distinto a lo occidental que se te impone, se te abre el mundo”.

Lo mismo piensa Marcelo da Venecia, ex bajista de la banda Weichafe, que armó junto a un par de amigos hijos de japoneses, la banda Akatambo. Ellos hacen folclore japonés usando instrumentos occidentales como violín o flauta traversa y editaron el año pasado el disco “Camino de la luna”. “Antes de unirme a ellos no conocía nada de la música japonesa. Está muy arraigada con la naturaleza: si la letra te habla del océano, las notas intentan reproducir lo que te provocan las olas”. Da Venecia aclara que lo que tocan no tiene nada que ver con la JMusic (pop japonés) sino con raíces mas ancestrales. Ya están invitados para las Semanas Musicales de Frutillar.

“El público siempre estuvo, lo que pasa es que ahora la cosa explotó”, piensa Patricio Subiabre asesor comunicacional de Bizarro, productora del show de Dir en Grey. En apenas cinco días se agotaron las 500 entradas VIP de $49.500. Otra prueba más que la mejor promoción se hace por internet, ya que esta banda jamás ha sonado en los medios tradicionales.

“Fue gracias a internet y las redes sociales. Antes habría sido imposible acceder a esta música, y ahora hay un interés genuino”, explica Rodrigo Sáez, de Backstage Producciones, responsable también del regreso de Miyavi el 17 de octubre y el debut de la banda Mucc en el Teatro Novedades.

Y Subiabre remata: “Los adolescentes chilenos son una generación tan huérfana de identidad nacional que están abiertos a recibir culturas extranjeras. Si te bombardean con reggaeton, es obvio que vas a buscar algo más. Y estas bandas japonesas lo tienen”.

Colombina Parra y sus muchachos están de vuelta con Pistola de plástico, un disco doble que tiene una parte bien alegre y otra para morirse de pena. Sobre el álbum, tener una banda de rock y el Bicentenario, nos habla la hiperactiva compositora.

Por J. C. Ramírez Figueroa para Paula.cl, 24 de abril 2009.

1. ¡No puedo tirarme un peo y grabarlo! “Pistola de plástico explora territorios más cómicos. Un disco doble con caras bien definidas: un lado muy oscuro, casi para cortarse las venas, y otro que es para estar jugando o surfeando. Cuando entramos al estudio no había nada definido, para mi fue como ¿qué vamos hacer? Hernán Edwards (guitarra) me puso la pistola al cuello y me dijo “estamos en el estudio y vamos a hacer nuestro tercer disco”. Respondí “¡imposible!” Yo tengo que tener las canciones hechas desde la casa, ¡no puedo tirarme un peo y grabarlo! Después, toda la banda presionó y no me quedó otra que acceder a este experimento”.

2. Con buena letra. “Es cierto que en el rock nacional las letras se descuidan. Escribir una buena letra es prácticamente todo. Siempre me acuerdo de una frase que dijo Jorge González en la canción Trata de escribir, que habla de escribir la historia que está dentro de ti. Parece una frase vulgar y siútica pero para mi ésa es la clave. Para mi la letra es la foto, una foto de un momento. Si la foto se ve armada artificialmente no sirve. Tiene que ser una foto espontánea pero con una dirección definida del tipo que está tomando la foto” .

3. Riffs de mujer. “No, no me molesta la etiqueta de rock hecho por mujeres porque yo no me siento más mujer que hombre. Soy una cosa que le llaman mujer nomás. Me da risa esa manera de ver las cosas de hombre/mujer. Somos una cosa rara que no sabemos. Yo no sé qué soy. ¿Alguien lo sabe? Bueno, pongámosle que mujer porque tengo la voz fina y me salieron pechugas”.

4. Un Ex liberador. “Si no toco me lo pasaría en esas terapias en que anda medio mundo, no resistiría. Con Los Ex me libero de la rabia, la angustia de las colas en los bancos, del tipo que hecha la choreada en la calle. Del smog,  los bocinazos, los rollos familiares. Mientras más debilidades, más fortaleza hay dentro de mi para hacer música. Si mi guitarra es como el forro, le pego hasta que suene”.

5. El futuro de Chile y de Los Ex. “La palabra Bicentenario me da una cosa como vergüenza ajena. Para mí no significa nada porque para el mapuche no significa nada. La palabra chilenidad, me huele a cueca quinchera. Y me odio a mi misma porque formo parte de eso en alguna forma. El capital de Chile es la música mapuche, pero estamos muy lejos de darnos cuenta. Es lo único realmente bueno que tenemos. Pero tampoco tendremos y por eso seguirá siendo lo único bueno.

Los Ex mostraran Pistola de plástico el miércoles 20 de mayo en la SCD Bellavista. Más info sobre donde conseguir el disco acá: www.myspace.com/bandalosex

La directora de Play está presentando su última película Turistas, aun sin fecha de estreno en Chile. De esto y sus nuevos proyectos conversamos con la directora, que está contenta de que hayan más cineastas nuevos y que, por ende, se puedan organizar asados más animados entre ellos.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Paula.cl, 17 de abril 2009.

1. Turismo aventura. “Turistas es una película de camping. Carla (Aline Kuppenheim) es una mujer santiaguina, casada, que de camino a sus vacaciones de verano pelea con su marido y se queda sola. Pero en vez de volver, decide seguir viaje con Ulrik, un mochilero noruego que encuentra en el camino. Tal como Carla, yo tenía ganas de salir de Santiago. Pero no quería armar una historia  desde una mirada rural, sino que quería la distancia del turista, que es la que yo conozco mejor. Me interesa la idea de la Reserva nacional, la idea de guardar un pedacito de naturaleza, con mapitas y señales y caminos marcados con piedra. La ilusión de control sobre ella, pero con riesgos y un peligro siempre escondido ahí en el medio del bosque. Me gustaba poner a una mujer en crisis justo ahí, en la aparente paz y control  del entorno pero siempre al borde del precipicio”.

2. Personajes antipáticos. “Cuando escribo no puedo mantener un personaje que me parezca demasiado antipático por muchas páginas. Sin darme cuenta termino haciéndolo por lo menos gracioso. Es duro tener que convivir con un tipo desagradable durante la escritura, el rodaje y el montaje. No son personajes buenos: mienten mucho, se engañan, se hieren. Pero sí que les tengo cariño a todos. Todos están siempre un poco fuera de lugar, algo incómodos. Y eso es una sensación con la que empatizo”.

3. La cosa chilena. “Es divertido, pero me han dicho que Turistas es más chilena que Play. Eso me sorprendió porque está grabada en un bosque, sin ninguna identidad específica. Es un camping que podría ser cualquiera y allí todos vienen de otros lugares de Chile y del mundo. No pienso en lo chileno mucho. Me fijo en algunas personalidades y en maneras de hablar que me hacen gracia, pero supongo que el chilenismo de la película es parecido a su marca de género o de edad. Viene de fábrica , es simplemente inevitable”.

4. ¿Una nueva generación de directores? “No sabía que en el Festival Bafici argentino se hablara del Nuevo Cine Chileno (NCC). No hay unidad estilística y a decir verdad tampoco miradas parecidas. Pero es innegable que es nuevo, es cine y es chileno. Además, en la mayoría es digital y producido de forma independiente con presupuestos bajos. Y lo más importante: con miradas personales. En ese sentido me entusiasma mucho, me caen bien casi todos los cineastas nuevos. Es maravilloso que cada vez haya más y que podamos hacer asados más grandes. Lo digo sin ironía pero tampoco con ingenuidad.”

5. Un año agitado. “Estamos definiendo fecha de estreno y esperando que CORFO defina sus nuevas bases para apoyar la distribución. Por supuesto seguiremos festivaleando con Turistas durante este año y el próximo. La mostré en el Festival de Rotterdam, que tiene un público especial, bien cinéfilo y disciplinado. También en Guadalajara, donde el público disfrutó de la película de  manera diferente. No sé si los chilenos seremos más mexicanos u holandeses, quien sabe. Además, estoy preparando el rodaje de El futuro, basado en una novelita lumpen de Bolaño. Su estreno, creo, será el 2010. Además estoy involucrada en el desarrollo de un proyecto de varios cortos sobre Santiago llamado SCL en el que estamos casi todos los del asado, jejeje”.

Página oficial de la película www.turistaslapelicula.cl

Con el Movistar Arena a tres cuartos de su capacidad, los ingleses desmintieron eso de que son una banda melodramática. Más bien, demostraron que son capaces de conseguir algo emocional a escala humana. Justo lo que U2 o Coldplay ya no logran hacer.

JC. Ramírez Figueroa para Emol, 6 de marzo 2009.

-No somos unos blanditos-, declaraba Keane textual a la prensa inglesa, hace unos meses, mientras promocionaban su flamante Perfect simmetry. Incluso se habían arriesgado lanzando como single, la ochentrónica “Spiralling”. La canción, que recordaba el pop de sintetizadores más comercial de los ‘80 (Duran Duran, The Power Station) parecía una toma de posesión ante la fiebre post-punk y electro que azota al pop inglés. Y viéndolos tocar en el Arena Movistar, con la excelente voz de Tom Chaplin, el característico staccato del piano de Timothy James Rice-Oxley (principal compositor), sobretodo, la intensidad de sus canciones, queda clarísimo que Keane no son los Coldplay en miniatura que nos quieren hacer creer.

Porque sería fácil desacreditar los recursos de Keane. Después de todo es piano rock, con canciones de estructura clásica -sin el enfermizo cut & paste o guiños afrolatinos del pop, supuestamente, más aventajado- y enraizado con lo emocional más que con la angustia adolescente, que tan buenos dividendos da a los rockers verdaderamente duros.

Después de un respetado teloneo de Francisco González, cargado a las guitarras y elogiado por la misma banda, los ingleses abrieron con “The lovers are losing”. Esta canción, segundo single de Perfect simmetry, tales “Crystall ball” o “Is it any wonder” tienen toda la fuerza y escala humana perdida por U2 Y Coldplay, y que Travis intentó recuperar. Tres bandas que fracasan en lo que Keane vuelve totalmente explícito en “This is the last time”, “Somewhere only we knows” y la extraordinaria “Nothing in my way”. Una marca registrada, que sus detractores llamarán “fórmula”, y que es simplemente encontrarle un cuerpo melódico e instrumental a un estado de ánimo.

¿Suena complicado? Entonces, hay que remitirse al cierre del concierto. Sí, porque después de los bonitos motivos ochenteros en la pantalla (gráficas de Atari, por ejemplo) y de los sinceros saludos de Chaplin, que incluso tocó con chupalla (“¡No sabía que teníamos tantos fans en Chile!” o “Ésta es para ti”, decía con enternecedoras fallas en su traducción) vino el bis. Primero, “Under pressure” (Queen con David Bowie) y finalmente, la impresionante, “Bedshaped”.

Ahí está resumido todo el poderío de Keane, en esta segunda visita a Chile tras el Vive Latino 2007. Un piano en primer plano, una melodía tristísima (heredera del gran trabajo de The Hit Parade, notable influencia de Keane) y un Chaplin que le saca el brillo a la voz. Es imposible no involucrarse con la canción mientras desemboca en un monumental estribillo. Porque meter ruido o incitar al baile es mucho más fácil que emocionar. Esto último, no lo lograrían agrupaciones supuestamente “blandas” como insisten en categorizar a Keane.

Fue parte de Hermanos Brothers y CHC. Se fue a México el 2007 y terminó grabando una colección de canciones donde dejaba atrás el hip hop, para incursionar en la canción pop. Compartió con Los Bunkers, Jorge Gonzalez y ¡Sin Bandera! para terminar publicando en Chile su primer disco como Pedropiedra.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Paula.cl, 6 de marzo 2009.

1. Hermanos Brothers, CHC y el poder de las melodías. “El disco Pedropiedra ya está listo y tiene un single sonando en Radio Uno. Lo estoy vendiendo en tocatas y a principios de abril habrá un lanzamiento con todas las de la ley. Acá hay melodías, tal como en CHC y Hermanos Brothers, mis anteriores grupos. De hecho, creo que eso era el principal elemento que los distinguía de otros grupos hip hop. Lo que estoy haciendo ahora es profundizar esa inquetud. A tal punto, que cae de lleno en lo conocido como “formato canción”, que siempre ha sido mi estilo musical favorito. Hice muchas de forma esporádica desde los catorce años, pero en los últimos tres, empecé a apreciarlas y ponerle más color con las letras para que se pudieran parecer un poco a las canciones de verdad.”

2. El nacimiento de Pedropiedra. “Vivir en México fue bastante positivo en general. Estuve casi dos años, teniendo el tiempo y aislamiento suficiente para trabajar con esmero en este proyecto (Pedropiedra), que tomó forma definitiva allá. También tuve algún contacto con la industria. Hubo un alto ejecutivo de una multinacional que se interesó mucho en el disco, tanto que puso como condición contratar a un productor horrible y tuve que huir. Allá, no existen las bandas de “clase media”. Están por un lado los mega famosos y promocionados artistas románticos. Por el otro, el resto, que se pelea los espacios chicos. Los sellos parecen laboratorios de estudios económicos, en donde unos ejecutivos tratan de dar con una fórmula que les de plata por un rato. Mi disco no les parecía suficientemente pop, supongo. Aunque yo creo que sí lo es. En todo caso, hay una movida de festivales que se hacen todo el rato, y ahí se lucen las bandas emergentes. Lamentablemente nunca hice los contactos como para entrar en ese circuito, así que todos los shows que hice allá los producíamos nosotros mismos con amigos, un poco como lo hacemos acá en Chile, donde por ejemplo me extraña que no hayan invitado a CHC a un evento con 80 bandas como lo fue la cumbre del Rock. Aprovecho de decir que necesito un manager.”

3. Chilenos en el DF. “Estuve allá con Gepe y Perrosky cuando fueron de gira e hicimos varias fechas juntos. Algunos se alojaban en la casa. Se hacía todo entre amigos, bastante parecido a como hay que hacerlo acá. También conocí a Los Bunkers, con quienes nos veíamos harto e incluso tuvieron la amabilidad de honrarme invitándome a tocar teclados para el lanzamimento del Barrio Estación en el Teatro Metropolitan, donde la rompieron, tal como lo hacen en cada escenario que pisan allá. Jorge González ponía la casa y la mesa para todos los chilenos y en general cualquier persona que anduviera por esos lados. A todos los recibían con la misma generosidad y cariño, él y su familia. Arturo Turra Medina, productor chileno y baterista de Sin Bandera, fue el ingeniero de sonido en mi disco y nos hicimos bien amigos. Hay un verdadero sentido de la camaradería entre todos los musicos chilenos en Mexico.”

4. Trabajando con un Sin Bandera. “Sí, trabajé con Leonel García, un Sin Bandera. Es resultado de lo que mencioné arriba. Por haberme salido de este proyecto con la multinacional, tuve el privilegio de terminar grabando en su estudio, financiado por él, lo que lo terminó convirtiendo en el productor ejecutivo. Además, grabó unas voces de una canción mía, y a su vez me invitó a participar en una canción de León Polar, su disco solista. La canción se llama Déjalo.”

5. Mis planes con Pedropiedra. “La idea es promocionar este disco, tocar lo más posible y terminar otro disco que estoy trabajando hace unos meses. Si se da la posibilidad de volver a viajar, genial. ¿CHC? Por el momento queda en stand by, no sólo por Pedropiedra, sino porque los dos vocalistas están dedicados a sus propios proyectos de cine y televisión. Aunque hay ganas de grabar material nuevo. No me sorprendería que CHC hiciera más discos en el futuro.”

Dice que ya no cree en las morales colectivas y que quiere escribir una comedia romántica a su mamá y hermanas, en retribución a su inmenso cariño. Villouta cumple un año desde que salió de la clínica de rehabilitación y acá nos entrega sus cinco highlights del viernes.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Paula.cl, 30 de enero 2009.

1. Sálvese quien pueda. “Cuando me preguntan por SQP y cómo recibían mis puntos de vista, debo ser honesto y confesar que mi experiencia está totalmente teñida por mi adicción a las drogas duras. Fueron los días en que mi adicción se agudizó y ellos estuvieron para que no quedara en la calle y finalmente pudiera ingresar a la clínica a dejar todo lo malo atrás. En ese programa me entendían y esperaban mi visión de las cosas. Era yo ahí el problema. Sin embargo, sigo sosteniendo que TVN, bajo la presidencia de Francisco Vidal, al grabar a una menor de edad desnuda en la piscina en Pelotón II se transformaría en “una especie de proxeneta de vedettes“. Ésa fue la frase textual que me expulsó del programa y que me tiene vetado de los cuatro canales de televisión, mientras el responsable pontifica todos los días en las noticias (como vocero de La Moneda)”.

2. Stand up comedy: un nuevo rock and roll. “Me da un poco de bronca cuando separan el stand-up de los humoristas clásicos como Dino Gordillo, Natalia Cuevas o Felo, como si éstos fueran menos interesantes. He tenido la oportunidad de conocerlos y de ellos podríamos aprender toneladas. Creo que los percibimos de manera diferente porque los conocimos a través de una televisión. Y allí el humor debe ser totalmente blanco e inocuo. Pero si los vieran en vivo y sin ataduras terminaríamos de pie aplaudiéndolos. Y puede que sea justamente ése el asunto. Que no los podemos ver nunca en vivo, porque ellos están reservados para eventos.  Y ahí es donde entramos nosotros. La gente cuando va a vernos queda feliz, pero es difícil únicamente por un asunto de difusión. No existe en la cartelera un espacio para nosotros y mucho menos en la crítica. Es algo que a nivel nuestro se distribuye únicamente por Facebook e Internet. Pero eso tiene su lado bueno: como no hay mucha plata dando vuelta, la escena es totalmente impredecible, fresca y bizarra. Es totalmente una especie de nuevo rock and roll”.

3. Mi problema con El Mercurio. “Mi posición nunca fue contra El Mercurio en sí. Fue contra una cultura alienada con el oficialismo. La misma que usó el tema de los Derechos Humanos para ganar fondos y presentarse como políticamente correcto, pero que corrían a sacarse una foto para aparecer en sus páginas de espectáculos. El mismo medio que fue funcional a un suceso que ellos mismos calificaban como imperdonable. Ahora, mis posiciones políticas han cambiado. Creo que la diferencia entre conservador/liberal o izquierda/derecha son importantes, pero no tanto como nos han hecho creer. Una, porque los individuos respondemos a circunstancias únicas. Dos, porque los pensamientos colectivos son frecuentemente una excusa para que se beneficien personas con fines egoístas. Y en ese sentido hay algo de la defensa de la propiedad privada y del apoyo a los emprendedores que me hace ver El Mercurio con ojos más objetivos, lejos del gritoneo propagandístico en el que nos envolvieron”.

4. Los nuevos chilenos. “Nuestra historia hasta hoy ha sido de una adolescencia complicada con un padre que nos pegó y nos hizo daño, un crecimiento muy rápido que nos dejó muy guapos y habernos enamorado de una novia que nos rompió el corazón. Entonces estamos medios solteros, viendo nuestras opciones y aprendiendo de nuestros errores. Creo que nuestra visión de la democracia y de nuestros derechos ya no está amarrada a un color político, sino que a la visión de decencia que tenemos de cada uno de nosotros. Por eso creo que se nos vienen tiempos de un debate rico y elevado difundido por medios hoy omnipresentes como internet. Como ya no creo en las morales colectivas sino que en los individuos, aunque da la impresión de que la cultura adolescente está dominada por los descerebrados de siempre, me importa sólo en el sentido de poder hacer un análisis. Me interesa poner más la atención en Nicolás Copano, que a los 16 años, mientras yo hacía El Interruptor estaba hinchándome las pelotas sin callarse porque quería aprender a hacerlo todo. Y hoy, efectivamente lo está logrando, al punto en que es muy difícil que haya algo que no termine consultando con él. Es un gran amigo y el único que fue capaz de decirme en la cara que era un drogadicto. No me lo dijo con esas palabras, porque es mi amigo, pero me lo dijo”.

5. Mis planes 2009. “El 2 de febrero cumplo un año desde que salí de la clínica. Y mi cabeza funciona distinto. Las ideas ahora no las duermo ni evado con alcohol o drogas. Están ahí y adquieren fuerza y evolucionan. Creo que tengo menos ideas pero que para mí son ciertamente mejores porque se desarrollan gracias a esta nueva calma que nunca pensé tener. Una de esas ideas es escribir una historia. Vengo de una casa donde mis tres hermanas y mi madre se devoran las comedias románticas en el formato que sea. Y quiero devolverles este año maravilloso que me han dado escribiéndoles una. Quiero además ver como puedo hacer para hacer que mis amigos comediantes puedan catalizar un talento que estoy seguro la gente va a recibir con mucha alegría y quiero ayudar esta vez de manera mas activa a conseguir una igualdad de derecho para los gays. Ya no desde lo reaccionario, sino que desde el trabajo de verdad, construyendo puentes, generando diálogos y aprendiendo de un activismo que necesita hoy más que nunca personas de todos los pensamientos para lograr un fin único: el que podamos ser equivalentes.  Tengo 32 años y el no tener derechos ya no es chistoso”.

A José Villouta se le puede ver en el programa Los Nuevos Chilenos en Liv Tv, escuchar en el podcast Con El Dedo En El Ombligo y leer en su blog josemiguelvillouta.blogspot.com.