Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 11 de febrero 2011

“Hay que perdirle más a la vida” canta en el estribillo de “Más”. Las iniciales de “música”, “alma” y “sexo” que dan título al disco. La canción parte con unas brevísimas guitarras eléctricas procesadas y termine en un encendido ritmo dance. La letra retrata a un DJ y una chica que quieren triunfar en Nueva York y sólo tienen la pista de baile para mostrarse. Y es Ricky Martin el maestro de ceremonias que incita a liberarse, tras como él lo hizo saliendo (mediáticamente) del closet.

De hecho, sigue cantándole a las mujeres. En “Frío” le canta a una que le “recuerda a las olas y el mar” y que lo “calienta cuando siente frío”. Y lo repite varias veces. Pero inmediatamente celebra haberse liberado (“Lo mejor de mi vida eres tú”), sufre el abandono (“Te vas”), gana (“Te busco y te alcanzo”) y se justifica (“No te miento”). Si Martin fuese un compositor, podríamos elucubrar sobre los líos en que se ha metido en el último tiempo. Pero, al saber que es un intérprete, podemos ver al disco como la actualización de las facetas del Ricky Martin que todos conocemos. El macho latino, el galán sensible, el gozador.  Entre la pachanga y el europop, pasando por un sonido ultraproducido a lo Timbaland y cierta aproximación al rock.

Música + alma + sexo es un disco correcto y con colaboradores como Joss Stone o el dúo Wisin & Yandel que, seguramente, lo potenciarán en otros públicos. Aunque hay una cierta tendencia a la megaproducción y la ausencia de hits como los que tenía en los noventa, antes que Shakira o Juanes avanzaran por la senda que abrío como músico latino global. Sólo en “Será será” vemos un comentario explícito de su “salida” y donde llama a la gente, con convicción política, a soltar las cadenas.

Ricky Martin / ”Música + alma + sexo” (2011, Sony)

1. Más, 2. Frío, 3. Lo mejor de mi vida eres tú, 4. Te vas, 5. Tú y yo, 6. Cántame tu vida, 7. Te busco y te alcanzo, 8. Será será, 9. No te miento, 10. The best thing about me is you, 12. Shine, 13. Frío

Músicos invitados: Wisin & Yandel, Joss Stone, Natalia Jiménez

www.rickymartinmusic.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 5 de febrero 2011

Éste es el Chinese democracy de Charly García. Un disco que, tal como el de los Guns N’Roses, demoro años en salir a la luz. Y cuando lo hizo provocó decepción generalizada. Aunque, claro, en Chile el músico argentino es venerado al punto de que cualquier cosa que haga es una “genialidad”. En Argentina, en cambio, muchos se preguntan para qué sirve en definitiva el “oído absoluto” del que presume García.

Y escuchando el Kill Gil, uno se pregunta no sólo qué tenía de especial el disco que demoró tanto en salir, sino también qué hace especial la producción del histórico Andrew Oldham, el manager de los primeros Rolling Stones y productor de Rod Stewart y Eric Clapton. ¿Será el sonido de teclados añejos y baterías programadas? Lo cierto es que las canciones son un pálido reflejo del estado optimo de García en los ’80.

“King Kong” o “Pastillas” parecen demos y aun así, carecen de ideas interesantes. “Corazón de hormigón” (cantada a dúo con Palito Ortega) no es más que una toma simpática de uno de los primeros temas compuestos por García en su vida. “Mirando las ruedas” es un cover de Lennon que ni siquiera autoengañándose con su sonido de lo-fi (baja fidelidad) uno la podría encontrar buena o al menos interesante. Y esa es la línea de todo el disco: baterías machaconas, programaciones maquinales, una voz algo recuperada pero que no logra redimir canciones menores. No es que uno pida otro Piano bar o Clics modernos. Sólo que es difícil entender que se publiquen discos que incluso vistos desde la estética del lo-fi carecen de riesgo y aventura.

Charly García / ”Kill Gil” (2011, Sony)

1. No importa, 2. King Kong, 3. Pastillas, 4. Transformación, 5. Los fantasmas, 6. Corazón de hormigón, 7. Mirando las ruedas, 8. Break it up, 9. Happy and real, 10. In the city that never sleeps, 11. Telepáticamente.

Producción: Andrew Oldham

www.rock.com.ar/artistas/charly-garcia

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 8 de enero 2010.

Es prácticamente imposible separar la imagen de la música de Marco Antonio Solis. En el mismo librito que acompaña al disco, aparece en dos modalidades -”Jesucristo” y “Macho latino”- que han hecho las delicias de sus seguidoras. Un público que en Chile al menos provoca disturbios en sus shows y ponen los ojos en blanco quizás más que los “rockeros” con Mike Patton o Zach de la Rocha. De hecho, el cantante no está muy lejos de ambos astros que, sin buscarlo, provocan una conexión extramusical en nuestro país que alguna escuela de sociología (o psiquatría) debería estudiar.

En total plenitud es un título que parece aludir a la imagen “jesucrística” de Solís, vestido de blanco, de pelo largo y mirada mesiánica. Las canciones, por otro lado, parecen intentar explicar al “macho” que también encarna el cantante. Un tipo duro, pero con sentimientos, y que tal como Arjona, abandona o juega con las esperanzas de la mujer. El problema es que lo canta “tan bonito” que logra que esa antagonista siga creyéndole todo lo que él prometa.

Ese machismo latinoamericano aparece potenciado con un sonido exactamente igual a sus hits anteriores que conocemos, incluyendo el repertorio histórico de Los Bukis. Hay trompetas “charras”, violines y guitarras acústicas. Una versión pop y digerible del melodramatismo mexicano. Canciones como “Cuántos días sin tí”, “Para vivir sin ti” o “De regreso a casa” son más parte de un simulacro que una aventura. Algo que en artistas “grandes”, desde U2 a Los Tres, no debería sosprendernos.

Marco Antonio Solís / ”En total plenitud” (Universal-Fonovisa, 2010)

1. Hay de amores a amores, 2. De regreso a casa, 3. Deseame suerte, 4. Cuántos días sin ti, 5. A dónde vamos a parar, 6. Ya nada es igual, 7. Te me olvidaste, 8. Tú me vuelves loco, 9. Para vivir sin ti, 10. Él nunca olvida, 11. Tú me vuelves loco (versión batucada), 12. En total plenitud (en mis propias palabras).

www.entotalplenitud.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 5 de noviembre 2010.

Como auditores -y aficionados al rock- tenemos todo el derecho de medir a Los Tres con la vara de su discografía histórica. Álbumes como La espada & la pared (1995) o Fome (1997) escalaron cumbres artísticas inéditas para el rock nacional de la época. Por eso extraña que Hágalo usted mismo (2006), su disco-regreso haya sido un puñado de buenas canciones (“No es cierto”, “Agua bendita”, “Cerrar y abrir”) sobre una montaña de riffs y ripios. Es algo extraño, considerando que la banda hizo de la rigurosidad una marca de fábrica. Ahí tienen a Álvaro Henríquez y sus excelentes discos como solista y con Pettinellis.

Este problema se repite con Coliumo -cuyo título alude a una zona costera devastada por el maremoto- aunque ahora con la excesiva suma de dieciséis canciones. Piezas construidas desde el “simulacro” más que desde la “aventura”. En efecto: tras su separación del año 2000, Los Tres comenzaron a ser recordados y simplificados en referencias como el jazz guachaca, el rockabilly, la cueca chora y el foxtrot chileno. Y cualquiera que haya escuchado sus discos sabrá que eso era una parte de sus recursos. Porque Los Tres podían hacer funk (“Dos en uno”), sonar a The Kinks (prácticamente todo el Fome), bolero (“Un amor violento”), rock latino (“El aval”) o al blues más asesino (“Amores incompletos”). Pero, y esto es lo importante, podían sonar como ellos mismos en temas-cumbre: “Me arrendé”, “La feria verdadera”, “Traje desastre”.

Si un comercial de bancos parodiaba la estética siciliana-bohemia de Los Tres y el término guachaca se convirtió en turismo aventura, muchos temas de Coliumo suenan como si Los Tres se hubieran plegado a eso. “Shusha”, el primer single, es discreto y aunque recuerde a The Pretenders y la Nueva Ola por partes iguales, no logra despegar. También hay dos cuecas de Roberto Parra (“En el banquillo” y “En capilla”), rockabilly (“Cárcel, hospital y cementerio”), foxtrot (“Diabla”, de innegable parecido a “Pero qué hermosas eran” de Joaquín Sabina, pero sin el humor negro) y rock de odio (“El hocicón”). Es decir la “nube de tags” con que el público redujo a la banda. Incluso hay canciones que recuerdan a los mismísimos Bunkers: “Cielo oscuro” suena como un cover de “Nada nuevo bajo el sol”.

¿Podemos decir, entonces, que Coliumo es un retroceso en la carrera de Los Tres? Complicado, porque ocurre otro fenómeno con otras canciones: “Odio amarte así”, “Hoy me hice la mañana”, “Don José” y “Y para qué”. La primera es una balada tipo Nueva Ola que ni siquiera las agotadores paradojas líricas de Henríquez logra dañar. La segunda suena excepcionalmente sincera. “Don José”, también de Roberto Parra, reproduce tanto en música, arreglos y letra un gran personaje picaresco. Y la última es tan triste como hermosa. Sólo en esas canciones (y los instrumentales) la banda recupera la aventura y el riesgo. Y tal como sus obras-cumbres suenan a ellos mismos y no como un cover de Los Tres, que es la tónica del disco.

Los Tres / ”Coliumo” (2010, Feria Music)

1. El hocicón, 2. Rosas al altar, 3. Odio amarte así, 4. Shusha, 5. Hoy me hice la mañana, 6. Diabla, 7. Carcel, hospital & cementerio, 8. Coliumo, 9. Cielo oscuro, 10. Terrible, 11. En el banquillo, 12. En capilla, 13. Don José, 14. Marta, 15. Desperté y soñé, 11. Y para qué.

Músicos: Álvaro Henríquez (voz, guitarras), Roberto Lindl (bajo) y Ángel Parra (guitarras, coros).

Invitados: Manuel Basualto (batería), Jerry Marotta (batería y percusiones) y Tommy Mandel (teclados).