Detrás de su estudiada estética “girl next door” o declaraciones tipo “soy fan de Miley Cirus” se esconde una de las mentes más despiertas del pop femenino de hoy. La mejor prueba fue el hit “I kissed a girl” (2008), una especie de relectura de “All the thing she said” de t.A.t.U. Pero mientras el dúo ruso construía un drama sobre el lesbianismo, Perry narraba humorísticamente lo que sintió su “personaje” besando a una mujer. El problema es que pocos notaron la ironía en su momento. Es que tal como “Creep” de Radiohead parodiaba la glorificación de lo “loser” en los ’90, “I kissed a girl” lo hacía con la supuesta “tolerancia” homosexual de la década siguiente.

Mucho se ha discutido en los apasionados foros “metaleros” sobre este decimoquinto disco de estudio de Iron Maiden. Desde su extensión (una hora y diecisiete minutos) hasta la promocionada “vuelta a las raíces” que terminó reconvertida en una producción cercana al prog-rock. O metal-progresivo. Porque éste no es un disco de baterías veloces, riffs asesinos y tres solos de guitarra bombardeando los parlantes. Claro, hay momentos del clásico Maiden como “The alchemist”, sostenida a guitarras gemelas y la extraordinaria voz de Bruce Dickinson. Pero lo interesante con The final frontier, más allá de su estética heavy-futurista, es que puede entenderse como un golpe a la mandíbula a todos los que los señalaban -junto a AC/DC, Ramones o incluso los Rolling Stones- como una banda que se repetía eternamente en cada disco.

¿Cómo ignorar los sintetizadores o baterías y guitarras procesadas de “Satellite 15…the final frontier”, tema que abre el álbum? ¿Cómo pasar por alto los quebres rítimicos de “Starblind” o los juegos guitarra-bajo de “When the wild wind blows? ¿Cómo obviar la estructura épica de “The man who would be king” o las guitarras tan blueseras que aparecen en los puentes de muchas de estas canciones?

En todo el repertorio hay elementos que escapan de esa caricatura “Iron Maiden” que se fue construyendo con el tiempo. Esa estúpida idea que engloba todo la NWOBHV (New Wave Of British Heavy Metal) de los ’80 -y sus herederos- como una subcultura machista, monocorde y eternamente adolescente (de ahí la crítica a los solos de guitarras como sublimación de las prácticas masturbatorias). El problema es que quizá estás inquietudes musicales -canción folk inglesa, futurismo electrónico alemán, blues, sonido industrial- al fin llegaron a buen término. Algo que se había adelantado en discos taríos como Brave new world (2000), pero que acá es explícito. No es casual que sus integrantes hayan reconocido en entrevistas que volver a sonar como en la época del Killers (1981) era perder el tiempo.

Si bien por momentos The final frontier suena más como una colección de canciones-ideas más que un disco como obra, sorprende escuchar cómo una banda legendaria se vuelve inquieta sin caer en el refrito (como se ha acusado a Metallica del disco Death magnetic) o el ridículo de quienes aun creen que tocar a mil por hora es “brutal”. De hecho, es notable como Iron Maiden sin jamás haber entrado del todo al “canon” del rock corporativo -ese que aparece en bandas sonoras, películas o antologías de la revista Rolling Stone- se ha convertido en las pocas bandas transgeneracionales que no viven del “piloto automático”.

Iron Maiden / ”The final frontier” (2010, EMI)

1. Satellite 15… the final frontier, 2. El Dorado, 3. Mother of mercy, 4. Coming home, 5. The alchemist, 6. Isle of Avalon, 7. Starblind, 8. The talisman, 9. The man who would be king, 10. When the wild wind blows

Bruce Dickinson (voz), Steve Harris (bajo), Dave Murray (guitarra), Adrian Smith (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nicko McBrain (batería).

Producción: Kevin Shirley

www.ironmaiden.com

Capítulos como Pinchar es escribir/Escribir es pinchar o Cine rítimico son notables estudios sobre la influencia de las máquinas y su música en la cultura contemporánea. No por nada, Miller es reconocido por la revista The Wire, como un hombre renacentista. Un catedrático del ritmo que dijo: “dame dos discos y te construiré un universo” y que nos regala en estas cien páginas reflexiones que se leen una y otra vez.

Como cuando dice: “Estás solo en un jardín de memoria en un Edén sin guión ni tentación. La manzana de la ciencia es un anuncio colgado en alguna página web. Teclea la palabra clave y te ofrece significados contrapuestos”. Esa angustia cósmica frente al mundo disperso que vivimos, acompaña todo el texto que como, señala su presentación, sampea “autobiografía y teoría”. Es que esta dispersión es un efecto inevitable del mundo capitalista global. Si antes existía la ruptura frente a lo establecido (be-bop, rock and roll, free jazz, punk) ahora, al estar todo fragmentado, ni siquiera se sabe qué pedazo roto seguir rompiendo. Miller nos da herramientas para darnos cuenta. Al ritmo de las máquinas.

La ciencia del ritmo
Paul D. Miller
Alpha Decay

El trailer del documental

Sinopsis “Portales, La Última Carta” from Sólo por las Niñas on Vimeo.

Descargue y maravíllese acá.

Por J. C. Ramírez Figueroa para Artes y Letras, 8 de agosto 2010

ANTES DE MASIFICAR EL PUNK  como líder de los Sex Pistols, John Lyndon -alias Johnny Rotten- se paseaba orgulloso por el Londres de 1975 con una polera de Pink Floyd. Arriba había escrito con un plumón “I hate”. Ese “Yo odio a Pink Floyd” fue un mantra juvenil que insistía en la “honestidad” de los tres acordes punkies a los solos de guitarra y batería, sintetizadores, letras crípticas y canciones de más de veinte minutos del rock progresivo. “Nunca olvidaré cuando estábamos en el estudio haciendo la canción ‘Sheer heart attack’ y resulta que los Sex Pistols estaban en el estudio de al lado”, contaría Freddie Mercury en su autobiografía publicada en 2008.

Su banda en ese tiempo se había destacado por todos los “vicios” que acusaba Rotten. “Ya te puedes imaginar a nosotros y los estandartes de toda la movida punk-rock antisistema bajo el mismo techo. De todas maneras, hice entrar a Johnny Rotten y a Sid Vicious (bajista) para que escucharan uno de nuestros temas y les dije que cantaría en una de sus canciones si ellos cantaban en una de las mías… y deberías haberlos visto. Dijeron: ‘¡No vamos a cantar con Freddie Mercury!’”. Es que, el “prog rock” fue el hazmerreír de la generación punk y sus descendientes. El odio a Genesis, Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull, King Crimson, Yes, Rush, los primeros Queen y Pink Floyd infectó a los músicos, a periodistas y a las escenas indies hasta hoy.

Quizá porque sus propuestas monumentales, excesivas y complejas, lograron éxito comercial. En efecto, porque bandas más volcadas al blues o a lo heavy como Led Zeppelin o Black Sabbath, fueron reivindicadas. O escenas tan “progresivas” e intelectuales -pero minimalistas- como el kraut alemán influirían directamente en que Lyndon se aburriera de ser un Sex Pistols y encontrara la respuesta, dos años después, en la experimentación post-punk de Public Image Limited (P.I.L).

Radiohead y Homero Simpson

“El día en que el LSD se popularizó como droga creativa, se creó un monstruo que a punto estuvo de hundir el rock”, definió el periodista Iñigo López Palacios a esta música. Y continúa: “Entre delirios alucinógenos, muchos decidieron ir un paso más allá (…) Gracias a ellos, el rock se haría adulto y alcanzaría niveles de excelencia reservados a la música clásica. No nos explayaremos con los excesos y atentados contra el buen gusto que se realizaron en nombre de este ideal”. Sin embargo, más allá de la ironía, lo “progresivo” ha encontrado su espacio de respeto a pesar de l shock inicial. De hecho, muchos se sorprendieron cuando Radiohead, después de los elogios por la melancolía y dramatismo de The Bends (1995), lanzó, al año siguiente, “Paranoid Android” (1996). Una canción de casi siete minutos repleta de cambios de ritmo, distorsiones, pasajes vocales y letras extrañas. Una canción que junto a su obra posterior fue comparada con Pink Floyd

No pasaría mucho tiempo para que cualquier disco “complejo” pero masivo y que rompiera la lógica de la canción-para-la-radio fuera comparado con ese rock que los punk odiaban tanto. Desde Tool a Muse. Aunque lo “progresivo” nunca dejó de estar presente como subcultura del rock (ahí tienen a Porcupine Tree o Dream Theater), recién ahora, a nivel comercial, comenzó a ser celebrado y reconocido. Precisamente porque quebraron el camino al folk y a la distorsión blusera que había tomado el rock después de la explosión psicodélica de 1967-1968. En lugar de rescatar antiguos formatos de canción, el rock progresivo llevó al rock a una dialéctica entre la música docta y los adelantos electrónicos. Un estilo que en su variante más pop (Supertramp, Toto) luego se conocería como “rock adulto”, o como dijo un periodista español: “la música favorita de Homero Simpson”. ¿Hay algo más adolescente que las peleas de los fans de Rush contra Pink Floyd? Esto sólo demuestra la profunda conexión del “prog rock” con una infancia o juventud donde la ejecución instrumental y las canciones ambiciosas eran algo de primera necesidad. Los mismos músicos de Café Tacuba -insignia de lo popular y experimental en el rock latino- declaraban que para renovarse musicalmente había que volver “a los discos de Rush”. Un trío canadiense que logró construir un lenguaje en torno a su discografía. De hecho, se bromea mucho sobre lo nerd de sus fans. Una banda que desde su debut homónimo y power pop de 1974 no ha hecho más que ir tocando cada vez más “complejamente bien”. Sin olvidar sus referencias a la ciencia ficción.

Como explica Rodrigo Gatica, músico de blues: “De la misma manera en que los nerds se han tomado el planeta desde las sombras de la tecnología han estado ‘esparciendo’ su música en nuestro inconsciente… y es así como notarás música de Rush en cortinas de programas de televisión, comerciales y películas”. Y este triunfo de Rush, materializado en la “vuelta a las raíces” del disco Snakes & Arrows (2007) es también el triunfo de un género que fue hijo de un contexto: el vinilo, las portadas, la idea del “disco conceptual”, la evolución del rock hacia lo “clásico” y “tecnológico”. Pero también que a pesar de haber explotado en un período concreto (los setentas) supo mantenerse en pie gracias a sus fans.

Esto quizá tiene que ver con una de las funciones de la música popular, descrita por el académico Simon Frith: el “poseer” la música. “Los fans del rock ‘poseían’ su música favorita de un modo absolutamente intenso y trascendente (…).Obviamente, es la característica de mercancía de la música la que permite articular ese sentido de posesión, pero uno no cree poseer únicamente ese disco: sentimos que poseemos la canción misma, la particular forma de interpretarla que contiene esa grabación, e incluso a su intérprete”.

Lady Antebellum es un trío rock-pop influenciado por el country y con deseos de comerse al mundo, incluido Chile. Una proeza que ya había logrado Sheryl Crow y Shania Twain (Dixie Chics fue un fenómeno norteamericano solamente). Pero a diferencia de ellas, en lugar de cierta pose a lo Keith Richards o la caricatura norteamericana costumbrista, respectivamente, acá hay ciertos destellos que lo emparentan con una tradición que desde la renovación hecha por Bruce Springsteen no ha dejado de influir en la música popular contemporánea, desde Andrés Calamaro a Calexico.

Más allá de la balada matadora “Need you know” y sus aires a James Blunt (o Coldplay) acá hay un puñado de canciones country-rock que deberían esquivar -o vencer- los requerimientos del mainstream. Como “When you got a good thing” con un intenso final dominado por una sufriente Fender Telecaster. O “Stars tonight”, una canción para manejar por las carreteras americanas con unas excelentes guitarras, citas a los “chicos que se parecen a Sprinstreen” y ese tipo de estribillos que dominan las radios country de ese país. O los juegos armónicos de “Ready to love again”.

Pero en verdad más que desgranar los buenos momentos del disco sería bueno reconocer que, a pesar de la vocación pop de las canciones hay un componente de la música de raíz estadounidense -también llamada americana- que se inmiscuye en cara arreglo, riff o armonía vocal. Es ese tono, del Estados Unidos profundo -el grupo es de Nashville- el que termina dominando el álbum. La pregunta que surge es, ¿Chile logrará en algun momento consolidar su folclore como influencia en las canciones que suenan en la radio o son hits en YouTube?

Lady Antebellum / ”Need you now” (2010, EMI)

1. Need you know, 2. Our kind of love, 3. American honey, 4. Hello world, 5. Perfect day, 6. Love this pain, 7. When you got a good thing, 8. Stars tonight, 9. If i knew them, 10. Lookin’ for a good time, 11. Ready to love again, 12. I run to you.

Hillary Scott (voz y coros), Charles Kelley (voz y coros), Dave Haywood (guitarra, piano, mandolina y coros).

www.ladyantebellum.com

Este es el primer acercamiento explícito del cantautor español a la canción folk estadounidense. El detalle es importante, porque es un reconocimiento a la influencia lírica que ejercieron Woodie Guthrie, Pete Seeger, Joan Baez o el primer Bob Dylan en la renovación del cancionero hispanoamericano de los ’60. Y por otro lado, es una actualización de los recursos del cantautor hacia el universo de la americana (término que alude al country-folk contemporáneo): steel guitar, mandolina, plumillas, violines, pianos.

De hecho, desde “Podría ser”, el primer tema, Serrano va directo al grano. Sin introducciones, ni nada, parte cantando la historia de un hombre sin trabajo que le pide a su pareja que, por favor, lo siga apoyando. Y este enfoque dramático y humanista lo salva de la demagogia salvaje de bandas “despiertas políticamente” como Ska-P. Es que este espíritu cronista y antialeccionador es una de las mejores herencias de la canción social norteamericana.

Así, “Te vas” es la historia de un hombre abandonado, que también puede leerse como la parábola de las batallas sociales vencidas por el cinismo del capitalismo global. Y esta derrota dialoga con la necesidad de construir alguna alternativa (“El espejismo”, “Regalo para un primer cumpleaños”).

Por supuesto que sigue habiendo ecos de la canción mediterránea a lo Serrat que venían de sus nueve trabajos anteriores (“Vuelvo”), folclor latinoamericano (en este caso, la chacarera “Se ha enredado en tu cabello”) o una rumbita (“Tu susurro”). Pero lo que más llama la atención es que a medida que avanza el disco, se aprecia la intención de construir una historia fragmentada a través de un hombre treinteañero sobre estos años duros donde, como decía el teórico literario marxista Frederic Jameson, “es mucho más fácil imaginar en nuestras cabezas una catástrofe planetaria que un modesto cambio en el capitalismo global”.

Ismael Serrano / ”Acuérdate de vivir” (2010, Universal)

1. Podría ser, 2. Te vas, 3. El espejismo, 4. regalo para un primer cumpleaños, 5. Oximorón, 6. Vuelvo, 7. Se ha enredado en tu cabello, 8. Mensaje en el contestador, 9. Tu susurro, 10. El hueco en el que anido, 11. Preguntas, 12. No reconozco, 13. Papel encontrado en la cocina, 14. Volveremos, 15. Balance.

www.ismaelserrano.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 28 de julio 2010.

Andrés Pérez Lecaros (36) viene tocando desde los ’90. Partió cantando y tocando guitarra en grupos de fusión latina con fuertes elementos pop: Tropiflaite y La Bicicleta. Pero también colaboraría con Hermanos Brothers, La Rue Morge y Dracma. Tantos estilos encarados, volvieron inevitable una carrera solista de las mismas características. Él mismo lo reconoce. Y eso queda patente en Parque de dimensiones, su excelente debut bajo el nombre de Yo soy Pérez, publicado por sello Infanta Terrible, que de paso el mismo que editó los recientes discos de Muza y Javier Barría.

Un disco que aborda desde la canción beatlesca al sonido ochentero procesado en Miami, es uno de los grandes lanzamientos de este año. Se presentará el jueves 29 a las 21:00 en el Salón Cienfuegos (Constitución 67). Su plan dice es “partirle la cabeza a la gente con las canciones del disco y pasarlo obscenamente bien tocando”. Dice que hay temas que suenan tal cual como en el disco, pero otros lo han “reversionado”. “Es bien excitante para la banda, y jodido a la vez, porque hay mucha información que administrar. Prometo intensidad, eso sí”.

-En el rock nacional hay un consenso en torno a la canción por sobre la exhuberancia instrumental.  ¿Estás de acuerdo?
-Creo que una buena canción siempre se defenderá en el medio que sea. Hay alta oferta de medios y hay muchas bandas, en todas partes. Pero de todas formas hay que hacer canciones que marquen una diferencia con lo que te rodea. Que una canción se destaque hoy en día es bastante complicado.

-También hay demasiados medios dispersos para difundirlas: blogs, myspaces, microescenas.
-Pero ley pareja no es dura. O tal vez sea durísima. Pero hay que hacer lo mejor que puedas con los elementos que tienes. Eso ha sido siempre igual.

-Tu disco parte fuerte con “Parque de dimensiones”, pero inmediatamente aparece una pieza orquestada: “Sólo un pez”. Después te pones más introspectivo. Y más adelante te la juegas por más estilos aun. ¿Quisiste tirar toda la carne a la parrilla en este disco?
-Este disco lo hice como si me fuera a morir mañana. Reuní muchas canciones. Las viejas y las del momento. Las que más me gustaron quedaron. De hecho hay un “lado B” de diez canciones que incluso pensé sacarlo como un segundo volumen de Parque de dimensiones.

-¿Y lo harás?
-No por el momento. Sobre el tema de los estilos variados es algo usual para mí. ¿Qué te puedo decir? Me gustan muchas formas distintas y siempre se aparecen “tentaciones” en la mitad del proceso.

-¿Cuáles fueron las grandes conquistas musicales de este disco?
-Es que cada canción está por una razón específica e importante para mí. Es como que preguntes a qué hijo quieres más. Cada tema hace su trabajo y contrapesa el otro.

-A ver…
-Hay distintos criterios: mi hija “Rafaela” realmente cree que su canción es la mejor de la historia (se ríe) y eso, créeme, es un gran logro. Por otro lado jamás creí, por mucho que ande en lo de la canción simple, que iba a escribir una como “La máscara de todas”, que es una muestra brutal de neochulería expresionista y que me encanta, por chula. No sé, complicada tu pregunta. Creo que no me la voy a jugar, ¡me da cargo de conciencia!

-Sería interesante conocer la forma en que compones.
-No tengo método para componer. Pero necesito que algo me remueva fuertemente. Y puede ser absolutamente cualquier cosa, persona o situación. Por ejemplo, me leí la “Sombra del viento”, de Carlos Ruiz Zafón y quedé vuelto loco. Ahí había una canción que quería existir y tenía que encontrarla. Me demoré un año en hacerla. “Sólo un Pez”, la hice en una tarde, en la playa. Y así. Lo de los arreglos es otra cosa, por que ahí aparecen las obsesiones de productor y todo eso que me entretiene muchísimo.

-Te imagino trabajando mucho en el estudio…
-Invertí mucho (recalca la palabra) tiempo en todo eso. Hice muchas versiones de algunas canciones. Es como tallar: le das y le das hasta que aparezca la forma que quieres. Intento ser lo más acucioso posible en la producción. Debe ser coherente, honesta. Aunque hay gente que no le importe nada lo que ocurre atrás de la voz principal, todos esos detalles me fascinan. Puede haber mucho oculto en todas esas “capas secundarias”.

-¿Cuánto se extendió la grabación? Sé que Sol Aravena y Pedropiedra colaboraron contigo… Al parecer no eres el típico “cancionista solitario que toca todos los instrumentos”.
-Me demoré como tres años en hacer este disco. Y sí, lo grabé casi todo yo. Ahora, por ejemplo, no me gusta como me suena el bajo cuando yo lo toco, así que mi compadre Víctor García estuvo ahí siempre con su peso fenomenal en algunos tracks. Pedro había grabado cosas para “Papaya” hacía tiempo y quedaron, después nos juntamos entre sus viajes a México y me grabó la guitarra de “Dejen de actuar”, y quedó bacán. Cosas así. A la Sol me la topé en el estudio del Prabha y le dije ¿cómo te sale decir “hola”?. Eso sólo por nombrar algunos. Los invitados no son una necesidad, son un placer que colorea.

-¿Cómo te decidiste a ser solista? Lo digo porque tienes un extenso currículo de colaboraciones. ¿Tenías muchas canciones guardadas?
-Lo veía venir hace rato. Quería decir algo y decirlo solo. Hacerme completamente responsable de algo. Culpable incluso. Feliz con todos los errores y las virtudes de la obra. Lo ves terminado y dices, “que bien, esto es y se acabó”. Como cuando pintas un cuadro o escribes un libro. Lo quise hacer cuando me di cuenta que podía. Por ahí también siento que “debía”. Ahora también tuve tiempo y la ayuda de mucha gente muy, muy generosa, talentosa y preparada. Larga lista. Nadie quiere estar solo en verdad.  Bueno, al menos yo no, “nica”.

www.yosoyperez.cl
www.myspace.com/andresperezlecaros

Escaneado por mi hermosa Danielita y se puede leer online acá.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Artes y Letras 25 de julio 2010

Antes del Monterrey Pop Festival (California, 1967), el guitarrista era una parte más del grupo de rock. El cantante siempre lideraba las fotos, reportajes y requerimiento de las “groupies”. Keith Richards, George Harrison o el talentoso Roger McGuinn (The Byrds), en cambio, eran seguidos religiosamente por adolescentes espinilludos. A lo más, alguien escribiría en una pared de Londres: “Eric Clapton is God” y un perro terminaría orinando encima, convirtiéndose en una foto famosa. Pero algo pasó en la última jornada (el domingo 18 de junio) entre The Who y The Jimi Hendrix Experiencie que resignificaría los roles en una banda.

Pete Townshend (guitarrista de los primeros) expuso al público estadounidense a una agresión que los ingleses ya estaban acostumbrados: dio saltos, elevó al máximo la amplificación, movió los brazos como si fueran turbinas y destruyó su instrumento. Una coreografía guitarrera que se volvería clásica. Cancheros, The Who se retiró ante las miradas incrédulas de la concurrencia.

Jimi Hendrix (1942-1969), que había emigrado a Londres y fue recomendado por McCartney, miró al público, y comenzó tímidamente con “Killing floor”. Todo iba normal, hasta que de repente comenzó a tocar con los dientes, por la espalda, simuló irónicamente tener sexo con la guitarra, la chocó contra el mástil del micrófono, y terminó, en medio de acoples y distorsión y luego de “Purple haze” y “Wild thing”, quemando el instrumento con un encendedor y gasolina. Townshend no lo podía creer. The Mamas & The Papas -que iban después- tampoco.

Guitar hero

Gracias a los descubrimientos de Hendrix tras pasar años tocando encima de viejos discos de blues y jugando con las posibilidades de la electricidad, surgió la figura mitológica que acabaría con la primacía de los cantantes: el héroe de la guitarra. Junto a Clapton, Jeff Beck o Jimmy Page (Yardbirds y Led Zeppelin), y más tarde Tony Iommi (Black Sabbath), Ritchie Blackmore (Deep Purple), David Gimour (Pink Floyd) o Robert Fripp (King Crimson, Brian Eno), se generó una estética que haría al público dudar si acercarse al cantante o al guitarrista (que obviamente se ubicaban en alas distintas del escenario). Esto repercutía en las canciones que comenzaban a darles espacio a extensos solos e improvisaciones en directo a la manera del jazz. Incluso cuando el punk de Ramones o The Clash rechazaba ese virtuosismo, aparecería Van Halen; para muchos, el segundo revolucionario de la guitarra que redoblaría la velocidad y los recursos ( tapping ) influyendo en guitarristas aun más veloces, como Steve Vai, el heavy metal de los ochenta y sus ramificaciones.

¿Dónde están los solos?

Carlos Corales fue de los primeros guitarristas chilenos en “nacionalizar” la guitarra virtuosa, especialmente en su banda, Aguaturbia. Es consciente de que en los ochenta, después de Van Halen, surgieron figuras que privilegiaban la técnica como Joe Satriani o Randy Rhoads. “Pero esos guitarristas son Heroes para los músicos. No para el resto de la gente”. Si bien los primeros hits de Elvis Presley, Chuck Berry o incluso Bill Halley ya tenían interesantes momentos guitarreros (¿alguien puede acusar de malas las guitarras de “Rock around the clock”?), hubo épocas y géneros en que la guitarra solamente acompañó la canción: la primera invasión británica (Beatles, Hollies, Animals), el funk, la música disco, el folk-rock. Lo interesante es que en los ochenta, y hasta bien entrados los noventa, la “parte de la guitarra” era casi obligatoria. Desde Bon Jovi a Michael Jackson. Con polémicas incluidas como cuando la revista Rolling Stone destaca a The Edge (U2) o Prince. “Al pop le pusieron guitarras para darle un sonido mas rock, pero sigue siendo pop. Ni siquiera han escuchado un blues… baladistas románticos que le ponen una guitarra distorsionada con un multiefecto para ser más modernos”. Sin embargo, con el impacto mediático de Nirvana -que se reía en su cara de Guns N’Roses- y todo el rock independiente (con sus bases en el country/folk y el punk), de repente desaparecieron los guitarristas de los roles protagónicos. No por nada el fallido disco de Metallica Load (1996) fue promocionado como “el primer disco de la banda sin solos de guitarra”.

¿Renovación o dispersión?

Al parecer, la guitarra virtuosa terminó refugiada en los subgéneros del rock más duro, con su propia mitología. En la música popular masiva apenas hay rastros. Lo que priman son discípulos de la moral ochentera de Johnny Marr (The Smiths) o David Gedge (The Wedding Present), notables disidentes de las acrobacias, pero que a la vez podían componer complejas piezas. O tocar salvajemente rápido, como Gedge, pero en vez de punteos lo hacía rasgueando. El escritor y entusiasta del rock progresivo Francisco Ortega rescata a Johnny Grenwood (Radiohead): “Es un padre. Pero en la tradición del héroe efectista de Hendrix y sus clones, en el pop masivo, Matthew Bellamy (Muse) es el único. Alguien que le da lo mismo meter un solo insolente. Y eso se extraña. El buen pop épico necesita del solo de guitarra. Tanto indie sensiblero mató el espíritu de la canción de estadios”. Pero hay un detalle: juegos como el Guitar Hero que materializan la fantasía de que cualquiera puede tocar rápido y glorisamente como los viejos guitarristas o las competencias de “Air guitar”, donde los concursantes deben simular malabares con una guitarra que no existe, quizá son auténtico destino de aquellas épocas donde tener un instrumento de seis cuerdas era mítico.

El debut de la compositora valdiviana Carolina Nissen -y que puede descargase gratis desde internet- es un clásico álbum de piano-rock. Y en un país que siempre fue de guitarras, eso sorprende. No tanto por el instrumento en sí, sino por las posibilidades armónicas que le da a las canciones. ¿Qué podemos hacer si no hay distorsión ni efectos? Melodías. Pensemos que en Argentina al menos tres figuras de la música popular son escencialmente pianistas: Charly García, Calamaro y Fito Páez.

Pero este disco, a diferencia de Muerdete la lengua (2007) de Francisca Valenzuela, otro debut protagonizado por el piano, acá no hay rabietas post-adolescentes. Tampoco ese ingenuo despecho rockista -algunos llaman “actitud”- que arruinaba un poco la obra de Valenzuela. Acá están implícito cierto paisaje emocional no-santiaguino: la pieza como centro de operaciones, nostalgia del sol, cierto tono reflexivo. Una propuesta narrativo-musical ciertamente distinta a la juerga permanente y callejera de lanzamientos recientes como Odisea o Miss Garrison.

Basta remitirse a “Pienso en ti” y la cadencia casi didáctica con que la protagonista reconoce su tristeza. O cuando entran las plumillas en mitad de “Miedo”, con una sutileza digna del gran Ben Folds (referente del piano-rock como subgénero). O la excelente comunión de percusión y piano en la marchante “Guindo”. Pero también hay algunas incursiones de guitarras acústicas y cierto aire folky que recuerdan al primer Belle & Sebastian: “Cada vez que te vas” o “Todo en su lugar”.

La gran paradoja es que un buen debut corre el riesgo de perderse entre decenas de nuevos discos que también entienden lo urgente que es tener buenas melodías, canciones al grano y estribillos que hacen apretar “repeat” en el reproductor de mp3. Cuesta creer que apenas algunas bandas como Los Tres, Lucybell o Chancho en Piedra lo hicieron en los ’90, cuando primaba la exhibición técnica y el funk. ¿Cómo hacer trascender esta obra en el océano de myspaces y blogs “melómanos”? Al menos Carolina Nissen ya está empezando a sonar en Radio Uno.

Carolina Nissen / ”Carolina Nissen” (2010, independiente)

1. Miedo, 2. Fatal, 3. Siempre igual, 4. Todo en su lugar, 5. Un día feliz, 6. Inocente, 7. Cada vez que te vas, 8. Qué te pasa!, 9. Pienso en ti, 10. Mimí, 11. Guindo

Músicos: Carolina Nissen (piano, guitarra, glockenspiel, melódica y teclados) y Claudius Reth (batería, bajo y cajón peruano).

www.carolinanissen.cl

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Mi noticia cinéfila del día en La 2. Junto al sabroso agregado de los descargos de la distribuidora contra el monopolio de Hollywood.