CRASHBOOMBANG

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 9 de julio 2010.

¿Por qué las bandas surgidas del pop independiente rockean de otra forma?. Hace unos años nada más, Bicicletas era una clásica banda indie argentina. Ésas con estribillos hermosos y arreglos entre cristalinos y densas improvisaciones noise. Sin embargo en el disco Quema -y la prensa porteña lo hace notar- dan un giro al rock más clásico. Uno que viene desde el blues y los riffs apocalípticos. Eso se comprueba desde el tema homónimo que abre el disco: pura electricidad y velocidad.. Sin embargo, inmediatamente viene “11 y 20” que si tiene una melodía y sintetizadores alejando su propuesta de, digamos, La Renga.

Esta dicotomía entre el pulso rockista y la pasión melódica domina todo el disco. Pero jamás logra sintetizarse del todo. “Araña negra” es un boogie denso y que recuerda a toda esa escuela que más tarde se llamaría “stoner” y que fundarían magistralmente Pappo Blues y Pescado Rabioso. O “En tu cara”, un rock afilado y con solo de guitarra por supuesto. Sin embargo hay algo en la disposición de acordes, la producción o la voz del cantante que marcan la diferencia.

Pero lo más interesante es cuando aflora el viejo lado indie de la banda. “Pica pica” es tan rockera como las anteriores e incluso se basa en apenas un acorde, pero el estribillo que empieza a surgir al final es excelente. O la bellísima “Pájaros de fuego”, con un notable juego entre teclados y rasgueo de guitarra. Son precisamente los momentos más melódicos los que hacen volver al disco. Mientras lo “rockero” -para los medios argentinos es “lisérgico”- se disfruta más en vivo, lo “pop” es ideal para escucharlo con audífonos. Y en estos tiempos, donde se camina tanto o se trabaja frente al computador, es precisamente lo que necesitamos.

Bicicletas / ”Quema” (2010, Sony Music)

1. Quema, 2. 11 y 20, 3. Hoy, 4. Araña negra, 5. Conversación, 6. Pájaros, 7. La puerta, 8. Cara de rojo. 9. Pica pica, 10. En tu cara, 11. Escaleras, 12. Tren

Julio César Crivelli (voz y guitarra), Feredico Wiske (guitarras), Agustín Pardo (bajo), Ignacio Valdez (sintetizadores) y Mariano Repetto (batería)

www.myspace.com/bicicletas

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 2 de julio 2010

Hay quienes afirman que el pop está tan codificado que basta ver una carátula para adivinar como son las canciones, las letras y la voz del cantante. Esto en ningun caso es malo, por supuesto. Solamente ilustra la inherente relación entre imagen y música que algunos cínicos niegan. Por ende, no es casual el look “nocturno” de Inevitable, incluyendo una bola de discoteque en la contratapa. Desde “Sábado en la noche”, el disco ofrece una buena cruza de rock y baile. Lo interesante es que en lugar de incitar la danza desde el post-punk (como el 85 por ciento de las bandas contemporáneas desde Franz Ferdinand en adelante), Los Tréboles recurren al disco-funk.

Lo anterior se nota en las vocalizaciones y falsetes de Esteban Vergaras, el hombre al centro de la fotografía. O los arreglos de sintetizadores “a la antigua”. O las excelentes bases que remiten a la “música negra”. Si bien a la altura de “Sexy body” el factor sorpresa disminuye (incluso se puede pensar en Los Tetas o los Chancho en Piedra noventeros), es el ritmo lo que hace al disco entretenido y dinámico. Y también la pulsión rockera de la guitarra que compite con la tradicional relevancia del bajo en la música de baile.

Sin desconocer la importancia de un buen patrón de batería, quizás por cargarse demasiado al baile Tréboles se olvidan un poco la melodía. Lo importante es que en Inevitable terminan por potenciar una identidad. Desde allí podrán hincarle más el diente a las exigencias de “la canción”. La historia de la música popular bailable ha sido así: primero el ritmo, después las melodías inolvidables. 

Los Tréboles / ”Inevitable” (2010, independiente)

1. Sábado en la noche, 2. Flash, 3. Dame, 4. Sexy body, 5. Estando dormida, 6. Preparada, 7. Si me necesitas, 8. Solo los dos, 9. Inevitable, 10. La sombra, 11. In case you want it

Esteban Vergara (voz), Enrique Escala (bajo), Cristián Águila(guitarra), Miguel Santos (batería) y Sebastián Vergara (sintetizadores y teclados).

www.myspace.com/trebolmusic

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 2 de julio 2010

Basta poner sobre la mesa todos los últimos títulos de tween pop para comprobar cuan desactualizadas están las baladas. Esos lentos de voces prodigiosas (y algo sobreactuadas) que dominaron el cancionero juvenil. No por nada la revista Rolling Stone postulaba que gracias a Jones Brothers y Hannah Montana -y no de los “rockeros”- las guitarras eléctricas siguen con buena salud para las nuevas generaciones. Si bien Latinoamérica tiene una tradición de canciones románticas-juveniles bien cantadas, la rapidez y descarga emocional de “lo eléctrico” está terminando por imponerse en el público más joven. Cinemarte, sin embargo, apuesta por el formato clásico: chicos bonitos, letras de amor y muchas baladas. Una apuesta arriesgada, sin duda.

Por una parte es innegable la excelente construcción de las canciones. Los estribillos son efectivamente melódicos. La instrumentación suena impecable. Las voces, de alto nivel. El problema es que parece ser un disco hecho por adultos creyendo que saben lo que “pega en los jóvenes”. Y basta darse una vuelta por el último show de Demi Lovato para entender que es el rock (o power pop, más bien) y las canciones lideradas por el piano, lo que conquista los corazones del público.

Si bien, “Dime a donde” (¿no sería lo correcto escribir “adonde”?) o “Si no es amor” no son de ninguna manera “malas canciones” (quién es uno para decidirlo) a los muchachos de Cine Marte les falta una buena sacudida. Porque talento tienen, pero deberían mirar un poco más hacia Estados Unidos que hacia España, digamos, para encontrar su norte. Porque si de algo saben los gringos, es entregar emoción concentrada en tres minutos, sea el género que sea.

Cine Marte / ”Un día de abril” (2010, EMI)

1. Dime a donde, 2. Sálvame, 3. Te pido perdón, 4. Ya no me importa, 5. Si no es amor, 6. Volar conmigo, 7. Estará listo el corazón, 8. Tú, Delirio, 10. Atado a tí, 11. Si los dos

Gabriel Sara (voz) , Zack Arnstein (guitarra acustica, guitarra eléctrica, voces), Rodrigo Cartagena (bajo, teclados, voces), Felipe Haro (guitarra eléctrica, bajo, voces), Pablo Stagnaro(batería).

www.cinemarte.cl

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 25 de junio 2010.

Vista en perspectiva, la producción del Calamaro “renacido” brilla por su desprolijidad. O el zigzagueante paso del songwriter al mestizaje latino. Desde el  subvalorado quintuple El salmón (2001) -con 103 canciones grabadas en su propia casa- y su publicitado retorno al negocio del pop cuatro años después, todo ha sido un caos. Ahí están, sobrevivientes, las decenas de mp3 -desde colaboraciones a inéditos-  que en sus años oscuros colgó a internet. También las cajas compilatorias, tributos, discos en vivo y DVDs, en distintos formatos y precios. Y, por supuesto, las grabaciones oficiales: El cantante (2004), El palacio de las flores (2006) y La lengua popular (2007). El primero de versiones del repertorio latinoamericano. Los dos últimos, sostenidos por el mismo repertorio que subió a la red.

On the rock evidencia aun más este tránsito de un cancionista inspirado en Dylan-Waits-Stones a un cantante-para las-masas con serias intenciones de quitarle el lugar a Juanes y Álex Ubago. O, si se quiere, un disco donde el setenta por ciento es flamenco, ranchera, cumbia villera y algo de rapeo. Por cierto, es muy raro escuchar a Calle 13 y Calamaro al mismo tiempo. Pero sólo en ese treinta por ciento restante, la cosa toma vuelo. Canciones donde Calamaro aún no consigue extirpar las artes compositivas concentradas entre el Por mirarte (1988) y Honestidad brutal (1999), además del paso por Los Rodríguez. Rock adulto, letras estremecedoras y una sensación de aventura que conviertieron a Andrés en el “poeta fertil dándose a conocer”, como reza una de sus canciones viejas.

Primero, la extraordinaria “Barcos”. Un auténtico flamenco apasionado y sufriente gracias al desgarrado canto de Diego “El Cigala”. O la emotiva “Todos se van”. Una canción sobre el sentirse solo y ver como todo el mundo se la está pasando bien. Tan influenciada por el Bob Dylan contemporáneo que incluso frasea exactamente como él. Y eso no es nada fácil. Remítase a los versos “de lo que alguna vez fue un corazón” y asómbrese. Tal como “Los divinos” que, si bien, podría considerarse casi una parodia del hablante lírico recurrente de Calamaro (un tipo solo en la ciudad) desarma con una frase tan vulgar que acá se eleva y emociona: “nadie, nadie me da bola”. No es casual que se repita tantas veces, sobretodo hacia el final.

“Gomontonera” es ese hard rock de guitarras cargadas que Calamaro ya había desarrollado en “All you need is pop”, pero que acá tiene un subtexto político. Algo que se hace explícito en otro rescate: “El Perro”, canción usada para el programa de Lanata en los años más duros de la Argentina reciente y que parafrasea una frase maldita que Pinochet usó para justificar el horror de la Moneda bombardeada: “Muerto el perro se acabó la rabia”. Es ese Calamaro, el rabioso, brutal y político el que se está apagando. Pero aun sigue resistiendo dentro de  un disco con clara vocación de romper el cerco que el gran mercado latinoamericano aun le niega

Andrés Calamaro / ”Calamaro on the rock” (2010, Warner)

1. Barcos, 2. Te extraño, 3. El pasodoble de los amigos ausentes, 4. Todos se van, 5. Los divinos, 6. Flor de samurai, 7. Insoportablemente cruel, 8. Tres Marías, 9. Te solté la rienda, 10. Me envenenaste, 11. Gomontonera, 12. El perro, 13. Insportablemente cruel (Puerto Rico mix), 4. Tres Marías (Pablo Lescano mix).

www.calamaro.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 18 de junio 2010

Hay géneros musicales que brillan cuando son sacados de contexto, o son reinterpretados desde “el presente”. Por ejemplo, la raíz folclórica, la cumbia o, en este caso, el pop de sintetizadores. Son territorios musicales cerrados y codificados desde los efectos de guitarra a la mirada que deben poner los músicos en los videoclips. Sólo cuando son encarados por compositores con “otras influencias” se abren, explotan, resucitan.

Odisea es la profundización de Álex Anwandter en torno a la música bailable. Algo que ya había iniciado en la primera mitad de Bailar y llorar (2008), segundo y último disco de su grupo Teleradio Donoso. Sólo que acá en lugar de disco-funk hay house, soul, algo de R&B contemporáneo y cierto juego con el sonido Miami diseñado por el productor Emilio Stefan.

De hecho, este disco-proyecto, que en rigor sólo menciona a su autor en los créditos, utiliza una batería de recursos sorprentente: efectos de teclados antiguos, diálogos grabados, sonidos de vehículos, ecos en las voces, pianos, violines. Pero a la vez adopta una estética bailable en su estilo más ortodoxo: canciones que se extienden por más de cinco, siete o nueve minutos con el único objetivo de provocar el trance en el oyente o bailarín. Y todo esto se traduce, a la  vez, en  una libertad (y humor) para encarar las composiciones que está claro que el rígido estándar del pop le hubiese impedido.

Pero, reconozcámoslo, por más bailable que sea su propuesta el músico no ha perdido su capacidad de armar buenas melodías. Ahí tienen  “Casa latina”, donde todas las notas conducen -con una naturalidad sorprendente- al irresistible estribillo. O “Nuestra casa de violencia”, la perversa “Niño extraño” o “Cabros”, el primer single, con la frase “prendamos fuego a La Moneda”. Pero la clave está en la tiernamente titulada “Los gatitos hermanos se reconocen después de años?”. Una canción donde el núcleo contiene los recursos vocales y melódicos clásicos de su ex banda (“Máquinas”, “Gran Santiago”), el esqueleto está repleto de ruidos, efectos y ambientes sonoros novedosos.

Y así se puede entender el disco: composiciones pop elegantes, clásicas y bien hechas, pero tocadas de una manera inesperada, insólita, divertida. Donde las influencias cubren desde Happy Mondays al Corazones de Los Prisioneros. Del Marvin Gaye del “Sexual healing” a Jon Secada. Del house de Chicago a la Miami Sound Machine. ¿Cómo ignorar si no detalles como los bocinazos gozadores a lo Daddy Yankee, los gemidos, el ruido de sirenas y el bajo zigzageante en “Batalla de Santiago”?. ¿O frases como “Mañana usted será asesinado” para luego dar paso a un saxofón de free jazz?. ¿O la única guitarra virtuosa de todo el disco acompañada de un falsete lujurioso en “Mentiras blancas”?

Odisea, en todo caso, puede interpretarse en varios niveles. Pero sobretodo por su espíritu de aventura y humor para armar canciones que, en el fondo, siguen siendo tan buenas como las de su ex banda. Sólo que ahora están escondidas tras el camuflaje de guerra de lo bailable.

Álex Anwandter / ”Odisea” (2010, Oveja Negra)

1. Nuestra casa de violencia, 2. Casa latina, 3. Una nueva vida (vida maquinal), 4. Odisea, 5. Cabros, 6. Juventud, 7. Los gatitos hermanos se reconocen después de años?, 8. Mentiras blancas, 9. Batalla de Santiago, 10. Niño raro.

Músicos invitados: Ricardo Álvarez (saxofones barítono, tenor y alto), Daniel Espinoza (trompeta y flugelhorn), Gonzalo Vargas (programación), Juan Pablo Wassaf (batería, percusiones), Martín del Real (batería), Carlos Barros (efectos).

Arreglo de bronces: Marcos Meza y Álex Anwandter.

www.odiseaodiseo.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 11 de junio 2010.

Al parecer en el rock nacional todavía hay fe en el viejo recurso de subir el volumen del amplificador y sonar lo más fuerte posible. El debut de Milodonte es clásico en ese sentido. Incluso juegan con aquella idea, en el falso inicio de “Pescando sin anzuelo”. Treinta y un minutos a la deriva que son destruidos por un riff poderoso. Y de ahí el disco se vuelve imparable en lo eléctrico. Con la excepción del acústico “Cuatro acordes”, que de todas formas termina con la guitarra, el bajo y la batería siempre arriba.

Las diez piezas de Guía para los animales, transitan por el rock de los ’90. Pero no en el sentido grunge del término como el reciente disco Dayenu de Sofia (2010). Más bien en el shoegaze, el power pop de Teenage Fanclub, los Smashing Pumpkins de Siamesse dream (1993), Foo Fighters, Solar, incluso el Soda Stereo más ruidoso. Donde más se hace patente es en las líneas vocales de “Problemas”, por ejemplo, que se asemejan a la forma en el que hoy malogrado Cerati modulaba y cantaba.

Aunque piezas como “Perfume de mujer” e “El invierno” o el funk rock de “La vereda” parecieran necesitar más trabajo, hay otras que elevaban el promedio del disco. Como “Joni”, que es oscura, dramática y que habla de “monstruos que usan maquillaje de los ochentas rancios”. O el ruidismo de “Suelas”. Es ahí donde suenan apasionados y sinceros, al punto de desgarrarse la voz. Como en “Darwin”, con un discurso adolescente pero no por eso menos separatista que denuncia a esta “generación basura” post moderna. Si Milodonte sigue ese camino eléctrico y directo, pero alejado de los vicios monocores noventeros, sólo queda esperar el siguiente paso que dé.

Milodonte / ”Guía para los animales” (2010, Independiente)

1. Pescando sin anzuelo, 2. Problemas, 3. Perfume de mujer, 4. La vereda, 5. Joni, 6. Darwin, 7. Casio, 8. Cuatro acordes, 9. El invierno, 10. Suelas

Benjamín Astete (voz, guitarra y sintetizadores), Eugenio Larraín (batería, voces y percusiones), Rafael Achondo (guitarra y bajo), José Tomás Celis (guitarra y voces) y Sebastian Grau (bajo).

www.myspace.com/bandamilodonte

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 4 de junio 2010.

En Chile, siempre ha existido una brecha entre el folclor y la música popular. Hits radiales -y sociales- como “Todos juntos” o “Lejos del amor” aun hoy son excepciones. En este contexto, el gran aporte de los nuevos cautores -Gepe, Camila Moreno, Diego Peralta, Pedropiedra- ha sido llenar las grietas y vacíos a pura intuición. En lugar de remitirse a una estructura o tradición, en su obra hay mucho de imaginación y riesgo. Aunque alcancen o no buen puerto. Por algo el autor de Audiovisión elude “explicar” su música. O la influencia de Víctor Jara, el pop, el post-rock o la electrónica. Elementos que ciertamente están en su propuesta desde el elogiado 5×5 (2004). Simplemente porque su estilo no viene de un lugar definido, sino que está en desarrollo.

Este disco continúa esa línea evolutiva. ¿Cómo podríamos definir si no “Amigos vecinos”?. Una canción que comienza con un dejo de tonada y está acomañada de palmas, pero al rato entra un piano y un coro. O “Alfabeto”, que a pesar del arpegio de guitarras que remite al canto nuevo, tiene una excelente percusión nortina y una línea vocal más cercana al dream pop que a la música de raíz. La misma idea que Gepe desarrolla en “Estado de vista” y la excelente “La bajada”: ritmo y arreglos folclóricos acompañados de melodías del más fino pop de estilo internacional.

Por otro lado, hay en Audiovisión una interesante conexión con cierto pop que se hace en Europa (a diferencia de la tendencia rockera-electrica-fluorescente de Estados Unidos). En concreto: “Salón nacional de tecnología”, el single “Por la ventana” o las canciones “Budapest” y “Lienza” (con Javiera Mena) son melodías hermosas y calmadas, pero tocadas con programaciones y finos efectos. Recuerdan fuertemente las producciones de los sellos suecos Labrador y Bonjour (Sambassadeur, Radio Dept, Club 8).

Pero hay más puntos altos: “12 minerales”, con un gran trabajo de voces o la hermosa “Vitoria Roma”. Son piezas que no sólo confirman a Gepe como un gran compositor que abandonó ciertos vicios en la entonación o la escritura, sino también abren nuevas puertas a la compleja relación entre música de raíz y modernidad, entre folclor y pop, que más que opción es una necesidad.

Gepe / ”Audiovisión” (2010, Quemasucabeza)

1. Amigos vecinos, 2. Por la ventana, 3. 12 minerales, 4. Alfabeto, 5. Ayelén, 6. Estado de vista, 7. Lienza8. Salón nacional de tecnología, 9. Un día ayer, 10. Victoria Roma, 11. La bajada, 12. Budapest

Gepe (Daniel Riveros): voz, guitarras, teclados y piano, percusion y sonidos, secuencias.

Músicos invitados: Pedro Subercaseaux: bajo electrico, y guitarra electroacustica “12 minerales”, Danae Morales: corno frances en “12 minerales”, Felicia Morales: cello en “Victoria Roma” y “Un dia ayer”, Valeria Jara: voz en “Salón nacional de tecnologia”, “Alfabeto” y “Victoria Roma”, Pamela Sepulveda: voz en “Estado de vista”, Gonzalo Canales: guitarra electrica en “Estado de vista”, Jorge González: voz en “salon nacional de tecnologia”, Javiera Mena: voz en “Lienza y Cristian Heyne: programaciones y voz en “Alfabeto”

Producción: Cristián Heyne y Gepe

www.myspace.com/gepe
www.quemasucabeza.com

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 28 de mayo 2010.

Cuando un compositor de rock nacional tiene en su currículum estudios de piano hay que prestarle atención. Es muy probable que a la hora de construir canciones las teclas blancas y negras conduzcan a lugares algo más “inexplorados” que con la aburrida seguridad que proporcionan los acordes y riffs de de la guitarra. Y ya desde la animada canción “Parque de dimensiones”, cuya melodía y teclados juguetones recuerdan el mejor indiepop español, es evidente que el debut de Andrés Pérez Lecaros (Tropiflaite, La Bicicleta), cumple con las características de un “compositor interesante”.

En lugar de sostenerse este disco en un estilo definido prefiere mostrar todos los recursos que maneja. Así, inmediatamente después tenemos viene “Sólo un pez”, una balada acústica y fina con versos como “yo soy sólo un pez / que te quiere nadar”. Y luego “Rafaela”, con arpegios y una batería marchante que remite, indudablemente, al Revolver de los Beatles. O “La sombra del viento”, que parte triste pero inmediatamente llega el puente que va levantando la melodía.

Pérez hace otro truco interesante. La segunda parte del disco es totalmente distinta de la primera. Y mucho más arriesgada, podría decirse. Desde la irónica “Mi guitarra imaginaria”, que es puro sintetizador infantil hasta el bolero afrocubano con secuencias de “El barco” y el funky fluorescente de “La más cara de todas” (donde compite seriamente con Alex Anwandter -ex Teleradio Donoso- por la búsqueda de la mejor canción electro-latina jamás escrita), hasta el piano rock de “Dejen de actuar”. Toda la segunda parte es una declaración de intenciones, o más bien un desfile de las armas con que cuenta este compositor.

Yo soy Pérez / ”Parque de dimensiones” (2010, Infanta Terrible)

1. Parque de dimensiones, 2. Sólo un pez, 3. Rafaela, 4. La sombra del viento, 5. Amanda, 6. Mi guitarra imaginaria, 7. El barco, 8. Juguito de papaya, 9. La más cara de todas, 10. Kinski club, 11. Dejen de actuar.

Andrés Pérez Lecaros (voz, piano, teclados, guitarras eléctricas y acústicas, bajos, percusión, coros, programación, edición). Víctor García (bajo eléctrico en 4,5 y 10), Rodrigo Velasco (guitarra eléctrica en 4, sintetizada en 9 y rítmica en 10), Javier García-Huidobro (bajo eléctrico en 4), Pablo Vargas (bongoes en 7 y timbales en 9), Pedro Subercaseaux (órgano, 808 y coros en 8, y guitarra eléctrica en 11), Sol Aravena (voz en 9), Andrea Velasco (coro en 10), Michel Maluje (Hammond en 3 y cuerdas melotrónicas en 4 y 11), Diego Las Heras (timbales en 8), Matías Radic (guitarra lead, melódica teremin y coros finales en 3), Ignacio González (saxofón en 8), Roberto “Chicho” Espinoza (bajo eléctrico en 9).

www.myspace.com/andresperezlecaros

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 20 de mayo de 2009.

Justin Bieber es un canadiense de 16 años, presentado en todas partes como el futuro del pop. O al menos el que romperá corazones en la generación post-Jonas Brothers. Un chico que hace caso a sus asesores: dio la declaración simpaticona de rigor (“soy un muy buen besador”), cantó y tocó batería en el “American Idol” y lanzó una secuela de My world (2009), su exitosísimo debut. Obviamente el producto está bien hecho. Primero un equilibro entre R&B con producción electro-ochentera-láser y baladas. Segundo, una voz de “niño” en la tradición del Michael Jackson de “Ben” o el Joey McIntyre de New Kids On The Block. Tercero, una estética urbana-ganadora que puede provocar identificación y amor en sus fans adolescentes. A pesar de su extraño parecido con la Ellen Page de la película “Hard candy”. Después de todo ambos son compatriotas.

Las aspiraciones comerciales tras la “creación” del galán tween han dado éxito. Tal como Lady Gaga, Bieber ha colonizado los gustos de su público objetivo. “Stuck in the moment” es una canción entretenida y bien construida, con esa batería bien arriba en la mezcla. “Up” suena madura y soul, descolgándose desde los riffs y el punk-pop de Hannah Montana. “Somebody to love” suena canchera, incluso indietrónica en la línea de las producciones de MGMT o Julian Casablancas. Habrá que esperar a ver qué musica elige hacer, porque claramente aún está en manos de sus productores.

Fenómenos como el de Justin Bieber deberían hacernos replantear el estado del pop. O más bien poner las cosas en su lugar. Porque al final es el rock el que ha perdido terreno. El pop -desde Lady Gaga a Demi Lovato- sigue llenando estadios y apareciendo en TV. Tal como en la economía global, en la música mainstream cuando los gerentes dicen que hay crisis es cuando cosas mejor están.

Justin Bieber / ”My world 2.0” (2010, Island)

1. Baby (feat Ludacris), 2. Somebody to love, 3. Stuck in the moment, 4. U smile, 5. Runaway love, 6. Never let you go, 7. Overboard (feat Jessica Jarrell), 8. Eenie meenie (feat Sean Kingston), 9. Up, 10.That Should Be Me.

www.myspace.com/justinbieber

Los Rolling Stones reeditan su obra maestra. Una exploración apasionada y excesiva a las raíces de la música estadounidense. La misma que aprendieron a amar en una Inglaterra destruida por la guerra. Y grabada en una situación de leyenda: en la Riviera Francesa, huyendo de la justicia, en un camión-estudio que arrendaron a Deep Purple.

Robert Frank heredando al rock su trabajo de Americans

J.C. Ramírez Figueroa para Artes y Letras, 16 de mayo 2010.

Ya es tradición. Cada vez que The Rolling Stones lanza un disco original -no grandes éxitos ni devedés en vivo-, la mitad de la crítica los acusa de multinacionales del rock. O peor, una pandilla de abuelitos que sacan mediocres álbumes sólo para justificar sus lucrativas giras mundiales. La otra mitad, más generosa, nos asegura que ésta sí es, por fin, “su mejor producción desde…”. Y los puntos suspensivos los rellenan con el lujurioso “Voodoo Lounge” (1994), el animado “Tatto you” (1981, el de “Start me up”) o el bailable “Some girls” (1978). Incluso, el más lejano “It`s only rock and roll” (1974). Puntos de restauración de una carrera extensa, en la que lograron reinventarse o, al menos, sumar nuevos hits globales para sus futuras compilaciones. Pero nadie, jamás, se atrevería a comparar un nuevo lanzamiento de los ingleses con el doble “Exile on Main St.” (1972).

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 14 de mayo 2010.

Si algo hay que reconocerle a la “generación Jonas Brothers/Hannah Montana” es que reinstalaron las guitarras eléctricas en un ambiente -el pop adolescente o tween- infectado por baladas y productores de R&B. O mejor dicho, volvieron a masificar los viejos códigos del power pop: distorsión, economía de recursos, estribillos chicle y tontas letras de amor. Y, con mayor o menor éxito, eso ya se convirtió en un estandar que también abarca generaciones algo más “adultas”. El debut de May, pseudónimo de Consuelo Shuster (n. 1982), apela a ese universo: canciones al hueso, pedales de efectos incluso en los lentos, ataques a hombres malvados. Un discurso pop de fácil asimilación y que gracias a una impecable producción y trabajo compositivo podrían ser perfectos himnos para la generación post-Fotolog.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 10 de mayo 2010

Sofia -así, sin tilde- quiere devorarse al mundo anglosajón. Desde sus letras hasta las actualizaciones del blog están en inglés. La modulación es perfecta. Los referentes apuntan al post-grunge / aggro metal (Creed, Linkin Park) con destellos de Muse, Foo Fighters y cierto espíritu emocore. Y ya han ganado concursos de financiamiento y proyección para bandas nuevas en Inglaterra (Slicethepie.com) y Estados Unidos (Ourstage.com).

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Un álbum de cámara

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 23 de abril 2010.

Si en Chile hay tantos que viven dentro de las canciones de Andrés Calamaro, Fito Paez o el Joaquín Sabina en modo rockero, resulta insólita la indiferencia hacia Enrique Bunbury. ¿Será por su impostadísima voz en Héroes del Silencio? ¿O los botellazos recibió esa banda por “osar” telonear a Iron Maiden en 1996? ¿O, quizás, el siniestro y bailable cover de Rafael de su hit “Maldito duende” [ver video acá]?. Lo curioso es que en países como México o Centroamérica es un ídolo. Y para qué hablar de España, donde siempre se aparece en las listas entre Los Planetas y Amaral. Es decir, mientras en otros contextos se toma en serio, acá sólo provoca extrañeza.

Las consecuencias según el mismo Bunbury es su disco más oscuro e intimista. Como si los politóxicas encuentros con Calamaro (de la que salió la gran canción “All you need is pop”, 2000) o los abismos líricos compartidos con Nacho Vegas (remitirse al doble El tiempo de las cerezas, 2006) hubiese enderezado su camino como cancionista. Es díficil explicarlo, pero frases como “fui un turista de la belleza” o “el regateo de mi ficción” musicalizadas y fraseadas por él, tienen una carga simbólica a años de luz de, digamos, Ricardo Arjona. Marca la diferencia también el cuidado en la producción. Nada de mezclar rancheras con country blues, como lo ha hecho antes. “Un disco de cámara” definición que reconoce haberse inventado mientras presentaba su disco anterior Hellville de luxe (2008) “Musica suceptible de ser tocada en una habitación, donde todo instrumento tiene un papel concreto”, dijo al diario El País.

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Un ruidoso tour por el sexo sin sexo de la metropolis.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 2 de abril 2010.

“En una ciudad de muñecas y muñecos inflables /en una familia regida por la moral de un sex shop / vive Miss Garrison, una adolescente de hule anarquista hasta su último orificio”. Son los primeros versos del texto recitado que, entre pianos y bases programadas, abre Tire y empuje, el debut del grupo Miss Garrison. Y es precisamente el sexo en su faceta más sórdida y desesperada, el tema que sostiene el disco. Tanto la letra y como la música intenta aproximarse a eso que Lacan llamaba lo “fantasmático”. Eso inconfensable y que permanece oculto en la mente hasta el coito. De ahí que los quiebres, riffs de guitarra, redobles, remolinos de efectos y sobre todo, los gritos de la cantante intenten reproducir una relación sexual en ambientes enrarecidos.

Si bien es innegable la influencia de Yeah Yeah Yeahs (y de Los Ex, es cosa de revisar sus amigos en el MySpace), el disco choquea -y sorprende- por su comentario sexual santiaguino, valiéndose de los recursos del post-punk revival: canciones sin estribillo, improvisaciones, punk bailable. Aunque todavía no llegan al nivel conceptual de gente como Gang of Four hay algunas cosas interesantes. Así como Sinergia retrata la infernal vida en las comunas del Santiago abajo de Plaza Italia, Miss Garrison lo hace con las parejas que tienen sexo en el parque, los cines porno del centro o el curioso fenómeno de los condones en las plazas los domingos por la mañana.

Y es interesante interpretar canciones como “Ivanna X” o “El Mal de Garrison”  bajo esa idea lacaniana que señala que para que exista sexo debe haber un elemento “extra” que posibilite la excitación. Y la banda la ofrece mediante un viaje demencial por el sexo ilícito y toda la “ilusión” que prometen. Aunque abusen del ruidismo y los gritos destemplados sería interesante ver si esta obsesión es un tema conceptual del disco o se irá repitiendo en sus siguientes producciones.

Miss Garrison / ”Tire y empuje” (2010, Oveja Negra)

1. Tire, 2. El mal de Garrison, 3. Plastic señorita, 4. Rocco Siffredi, 5. Ivanna X, 6. Fuck off, 7. Si huele a plástico, 8. Quimical efecto, 9. Por no estar, 10. Water resist, 11. Tú no sabes nada, 12. Empuje.

Músicos: Matías López Navajas (guitarras y coros), Tomás Rivera (bajo, sintetizadores y coros) y Francisca Straube (voz, batería y teclados).

www.myspace.com/grupomissgarrison

Del shuper hype a la seriedad de la música popular.

Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 26 de marzo 2010

Hace un par de años se acuñó en Chile el termino “shúper” para englobar cierta estética juvenil rebosante de flúor, sintetizadores, neones y música bailable. El término, una derivación del argot “shúper loco”, tuvo en MGMT una de sus máximas fuentes de inspiración. Su disco debut Oracular spectacular (2008) y especialmente sus singles “Time to pretend” y “Kids”, fiesteros y con un teclado dominante, fueron destacados en cuanta página web existe. También aparecieron en películas adolescentes (“Sex Drive”, “Whip It”) y las revistas especializadas los elevaron como nuevos chicos prodigios del indiepop. Igual de importante fueron las estudiadas fotos promocionales de la banda: caras pintadas, gafas, gorritos bolivianos, torsos desnudos, collares, pelos ensortijados, pantalones rojos, post-hippismo. En contexto donde la difusión de las bandas está relativamente nivelada, una buena sesión disperdigada en google images marca la diferencia.

Congratulations puede escucharse como el intento de una banda de revista de tendencias por ser tomada en serio. O como pasar de ser los nuevos hits del indie corporativo a artistas pop auténticos. Por eso contrataron a Pete Kember de Spacemen 3 e intentaron alejarse del ambiente fiestero neoyorquino de su debut. Y el resultado no está nada mal. La producción suena más elaborada e interesante. “It’s working” y los puentes de “Song for Dan Treacy”, con sus reverberancias y órganos siguen la estela del Investigate witch cults of the radio age (2009), el extraordinario disco de Broadcast & The Focus Group. Aunque, lamentablemente, sin su fragmentación y espíritu de aventura.

Porque MGMT quieren ser artistas pero también gozar del éxito masivo. “Brian Eno” y “Flash delirium” son hits en potencia. El primero acelerado y con todos los instrumentos adelante. El segundo, pausado pero cargado del pop sintetizado de sus singles anteriores. Sin embargo, estos son quiebres dentro de una continuidad mucho más “pensada”, profunda y melancólica. Algo que generalmente pasa tras un debut excesivamente animado. “I found a whistle” toma la clásica balada soul de los cincuenta y la pervierte con guitarras acústicas y ecos. “Siberian breaks” es una pieza de folk psicodélico que perfectamente podría pertenecer a Donovan o Crosby, Still and Nash. “Lady Dada’s nightmare” (vaya nombre) es pop de cámara con violines, clavicordios y capas de sonido. Sólo por estos intentos, Congratulations vale la pena. Perfectamente, como varias agrupaciones del entorno indie-mainstream estadounidense, podrían seguir finguiendo que la fiesta no había terminado.

MGMT / ”Congratulations” (2010)
1. It’s working, 2. Song for Dan Treacy, 2. Someone’s missing, 4. Flash delirium, 5. I found a whistle 6. Siberian breaks, 7. Brian Eno, 8. Lady Dada’s nightmare, 9. Congratulations, 10. Inbetween the liners

Músicos: Andrew VanWyngarden (guitarra y primera voz), Ben Goldwasser (tecladO y voz), James Richardson (guitarras), Matt Asti (bajo) y Will Berman (batería).

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