CRASHBOOMBANG

Escaneado por mi hermosa Danielita y se puede leer online acá.

“Funny Little Frog” – Belle & Sebastian

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Hace tiempo que en la música popular masiva no se escuchan solos de guitarras como los de antes. ¿Dónde se fueron los guitarristas? ¿O el virtuosismo terminó democratizándose en la fantasía del videojuego “Guitar hero”?

Por J.C. Ramírez Figueroa para Artes y Letras 25 de julio 2010

Antes del Monterrey Pop Festival (California, 1967), el guitarrista era una parte más del grupo de rock. El cantante siempre lideraba las fotos, reportajes y requerimiento de las “groupies”. Keith Richards, George Harrison o el talentoso Roger McGuinn (The Byrds), en cambio, eran seguidos religiosamente por adolescentes espinilludos. A lo más, alguien escribiría en una pared de Londres: “Eric Clapton is God” y un perro terminaría orinando encima, convirtiéndose en una foto famosa. Pero algo pasó en la última jornada (el domingo 18 de junio) entre The Who y The Jimi Hendrix Experiencie que resignificaría los roles en una banda.

Pete Townshend (guitarrista de los primeros) expuso al público estadounidense a una agresión que los ingleses ya estaban acostumbrados: dio saltos, elevó al máximo la amplificación, movió los brazos como si fueran turbinas y destruyó su instrumento. Una coreografía guitarrera que se volvería clásica. Cancheros, The Who se retiró ante las miradas incrédulas de la concurrencia.

Jimi Hendrix (1942-1969), que había emigrado a Londres y fue recomendado por McCartney, miró al público, y comenzó tímidamente con “Killing floor”. Todo iba normal, hasta que de repente comenzó a tocar con los dientes, por la espalda, simuló irónicamente tener sexo con la guitarra, la chocó contra el mástil del micrófono, y terminó, en medio de acoples y distorsión y luego de “Purple haze” y “Wild thing”, quemando el instrumento con un encendedor y gasolina. Townshend no lo podía creer. The Mamas & The Papas -que iban después- tampoco.

Guitar hero

Gracias a los descubrimientos de Hendrix tras pasar años tocando encima de viejos discos de blues y jugando con las posibilidades de la electricidad, surgió la figura mitológica que acabaría con la primacía de los cantantes: el héroe de la guitarra. Junto a Clapton, Jeff Beck o Jimmy Page (Yardbirds y Led Zeppelin), y más tarde Tony Iommi (Black Sabbath), Ritchie Blackmore (Deep Purple), David Gimour (Pink Floyd) o Robert Fripp (King Crimson, Brian Eno), se generó una estética que haría al público dudar si acercarse al cantante o al guitarrista (que obviamente se ubicaban en alas distintas del escenario). Esto repercutía en las canciones que comenzaban a darles espacio a extensos solos e improvisaciones en directo a la manera del jazz. Incluso cuando el punk de Ramones o The Clash rechazaba ese virtuosismo, aparecería Van Halen; para muchos, el segundo revolucionario de la guitarra que redoblaría la velocidad y los recursos ( tapping ) influyendo en guitarristas aun más veloces, como Steve Vai, el heavy metal de los ochenta y sus ramificaciones.

¿Dónde están los solos?

Carlos Corales fue de los primeros guitarristas chilenos en “nacionalizar” la guitarra virtuosa, especialmente en su banda, Aguaturbia. Es consciente de que en los ochenta, después de Van Halen, surgieron figuras que privilegiaban la técnica como Joe Satriani o Randy Rhoads. “Pero esos guitarristas son Heroes para los músicos. No para el resto de la gente”. Si bien los primeros hits de Elvis Presley, Chuck Berry o incluso Bill Halley ya tenían interesantes momentos guitarreros (¿alguien puede acusar de malas las guitarras de “Rock around the clock”?), hubo épocas y géneros en que la guitarra solamente acompañó la canción: la primera invasión británica (Beatles, Hollies, Animals), el funk, la música disco, el folk-rock. Lo interesante es que en los ochenta, y hasta bien entrados los noventa, la “parte de la guitarra” era casi obligatoria. Desde Bon Jovi a Michael Jackson. Con polémicas incluidas como cuando la revista Rolling Stone destaca a The Edge (U2) o Prince. “Al pop le pusieron guitarras para darle un sonido mas rock, pero sigue siendo pop. Ni siquiera han escuchado un blues… baladistas románticos que le ponen una guitarra distorsionada con un multiefecto para ser más modernos”. Sin embargo, con el impacto mediático de Nirvana -que se reía en su cara de Guns N’Roses- y todo el rock independiente (con sus bases en el country/folk y el punk), de repente desaparecieron los guitarristas de los roles protagónicos. No por nada el fallido disco de Metallica Load (1996) fue promocionado como “el primer disco de la banda sin solos de guitarra”.

¿Renovación o dispersión?

Al parecer, la guitarra virtuosa terminó refugiada en los subgéneros del rock más duro, con su propia mitología. En la música popular masiva apenas hay rastros. Lo que priman son discípulos de la moral ochentera de Johnny Marr (The Smiths) o David Gedge (The Wedding Present), notables disidentes de las acrobacias, pero que a la vez podían componer complejas piezas. O tocar salvajemente rápido, como Gedge, pero en vez de punteos lo hacía rasgueando. El escritor y entusiasta del rock progresivo Francisco Ortega rescata a Johnny Grenwood (Radiohead): “Es un padre. Pero en la tradición del héroe efectista de Hendrix y sus clones, en el pop masivo, Matthew Bellamy (Muse) es el único. Alguien que le da lo mismo meter un solo insolente. Y eso se extraña. El buen pop épico necesita del solo de guitarra. Tanto indie sensiblero mató el espíritu de la canción de estadios”. Pero hay un detalle: juegos como el Guitar Hero que materializan la fantasía de que cualquiera puede tocar rápido y glorisamente como los viejos guitarristas o las competencias de “Air guitar”, donde los concursantes deben simular malabares con una guitarra que no existe, quizá son auténtico destino de aquellas épocas donde tener un instrumento de seis cuerdas era mítico.

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Mi noticia cinéfila del día en La 2. Junto al sabroso agregado de los descargos de la distribuidora contra el monopolio de Hollywood.

“Como en una versión empresarial de Edipo, el www.hijo.com, encarnado en una multitud de e-revistas, páginas porno, webcams, mensajerías electrónicas y videoconferencias de contenido erótico, se dispone a matar al padre-conejo o incluso a devorarlo en un totémico banquete”.

Aunque si Hefner como plantea la autora, encarnó el capitalismo que triunfaría en la guerra fría, cual es el nuevo sistema económico que trajo internet. ¿El post-capitalismo tardío?

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Es curioso que cuando empezamos a meternos en los cafés, escuchando a Gerswhin (esa fue una buena cita ¿ah?) y recorriendo la ciudad siempre escuchaba esta canción.

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Y le canta con amor y roja pasión:

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El 9 de octubre llegarán a Chile los discos solistas de John Lennon. Todos remasterizados y con el empaque original. Exactamente, a setenta años de su nacimiento. ¿Han sido lo suficientemente valorados?

Por J.C. Ramírez Figueroa para Artes y Letras, 11 de julio 2010

Aburrido de la beatlemanía. John Lennon nunca se sintió cómodo siendo un Beatle. “No estoy satisfecho con ningún maldito disco de nosotros”, reconoció a Playboy en 1980. “Me pones esas canciones hoy, y quiero rehacer cada una de ellas… Escuché “Lucy In The Sky With Diamonds” en la radio anoche. Es abismal, ¿sabes? La canción es simplemente terrible”. Ese hastío lo comprobó in situ la periodista Maureen Cleeve en su célebre reportaje “¿Cómo vive un Beatle?” de 1966. Aprovechando su amistad con el músico -muchos dicen que en realidad tuvieron un romance-, escudriñó su mansión estilo Tudor en las afueras de Londres. “Arrogante como un águila (…) imprevisible, indolente, desorganizado, infantil, disperso, encantador y ocurrente”, escribió. Le mostró su colección de autos deportivos, armaduras medievales, una pieza llena de juguetes, un crucifijo gigante, un disfraz de gorila (“lo usé dos veces”) y su estudio de grabación casero. Pero de repente, se puso a hablar de la incertidumbre sobre el futuro, la fama y el cristianismo. Eso explica el alivio que sintió al conocer a Yoko Ono. Una artista que gracias al grupo Fluxus ya era una celebridad en el ambiente vanguardista neoyorquino. Por eso empezó a dejar a sus antiguos socios y su vida de estrella convencional. Por eso fue feliz yendo a un festival de música experimental en Cambridge, en 1969, y jugar con la distorsión de la guitarra, improvisando con el ruido, en las sombras, mientras su chica recitaba textos sobre “los horrores del parto”.

Rockero experimental. Paul Mc Cartney no quería incluir “Revolution 9″ en el álbum blanco de 1968. Nueve minutos de collage sonoro era demasiado para él. Además, sería reconocer la influencia que estaba teniendo Yoko Ono en una banda cuyo caos era tan evidente, que se pasaron 24 horas discutiendo el orden de las canciones del álbum doble. Aunque la pieza fue finalmente integrada al disco, ese mismo año apareció su primer trabajo solista: “Two virgins”. Éste fue el primer volumen de la colección “Unfinished music” y que continuó con “Life with the lions” (1968) y “Wedding album” (1969). La grabación, cuya portada era el desnudo frontal de John y Yoko, sorprendió por el uso de diálogos, instrumentos y efectos de sonido. Lennon fue la primera estrella que ofreció a nivel masivo una obra realmente experimental. Más adelante, Ornette Coleman, el creador del free jazz, colaboraría con la pareja y sus experimentos sonoros. Bandas como Sonic Youth y Nirvana han reconocido que Lennon fue el primer rockero famoso en trabajar el ruido en la guitarra con un propósito artístico.

Activista político. A la “nueva izquierda” estadounidense nunca le cayó bien John Lennon. Singles como “Power to the people” o la polémica “Woman is the nigger of the world” (“La mujer es el negro del mundo”), acciones de arte como empapelar edificios con la frase “La guerra terminó (si tú quieres)” o pasar un fin de semana en cama con Yoko Ono eran vistos como actos populistas, típicos de una estrella de rock. Por otra parte, cuando en los setenta se instaló definitivamente en Nueva York, la CIA le hizo la vida imposible, como atestigua el documental “The U.S. Versus John Lennon”. “Me parece que no fue muy disfrutada su época política, porque la música sufrió. Ese tiempo de rebeldía no quedó tan marcado por su imagen pacifista”, piensa Marchi. Sin embargo, Lennon, como artista mediático, fue pionero en instalar una provocación política. Salir vestido de guerrillero cubano en la televisión norteamericana no es menor.

La reedición. “Espero que esta reedición ayude a llevar su increíble música a un nuevo público”, señaló Yoko Ono en el comunicado oficial. Se trata de remasterizaciones monitoreadas por la viuda y el productor Jack Douglas y editadas por EMI. Estas incluirán el disco Double fantasy (1980), la antología Power to the people: the hits, la caja de cuatro discos: Gimme some truth y el notable John Lennon signature box empaque de once discos con la discografía original, rarezas y lados “b” de los singles. Y, por supuesto, las ediciones dobles -con temas extras- de los discos originales: Plastic Ono Band (1970), Imagine (1971), Some Time In New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974), Rock n’ Roll (1975), Double Fantasy (1980) y Milk and Honey (obra póstuma de 1984).

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Por J.C. Ramírez Figueroa para Emol, 9 de julio 2010.

¿Por qué las bandas surgidas del pop independiente rockean de otra forma?. Hace unos años nada más, Bicicletas era una clásica banda indie argentina. Ésas con estribillos hermosos y arreglos entre cristalinos y densas improvisaciones noise. Sin embargo en el disco Quema -y la prensa porteña lo hace notar- dan un giro al rock más clásico. Uno que viene desde el blues y los riffs apocalípticos. Eso se comprueba desde el tema homónimo que abre el disco: pura electricidad y velocidad.. Sin embargo, inmediatamente viene “11 y 20” que si tiene una melodía y sintetizadores alejando su propuesta de, digamos, La Renga.

Esta dicotomía entre el pulso rockista y la pasión melódica domina todo el disco. Pero jamás logra sintetizarse del todo. “Araña negra” es un boogie denso y que recuerda a toda esa escuela que más tarde se llamaría “stoner” y que fundarían magistralmente Pappo Blues y Pescado Rabioso. O “En tu cara”, un rock afilado y con solo de guitarra por supuesto. Sin embargo hay algo en la disposición de acordes, la producción o la voz del cantante que marcan la diferencia.

Pero lo más interesante es cuando aflora el viejo lado indie de la banda. “Pica pica” es tan rockera como las anteriores e incluso se basa en apenas un acorde, pero el estribillo que empieza a surgir al final es excelente. O la bellísima “Pájaros de fuego”, con un notable juego entre teclados y rasgueo de guitarra. Son precisamente los momentos más melódicos los que hacen volver al disco. Mientras lo “rockero” -para los medios argentinos es “lisérgico”- se disfruta más en vivo, lo “pop” es ideal para escucharlo con audífonos. Y en estos tiempos, donde se camina tanto o se trabaja frente al computador, es precisamente lo que necesitamos.

Bicicletas / ”Quema” (2010, Sony Music)

1. Quema, 2. 11 y 20, 3. Hoy, 4. Araña negra, 5. Conversación, 6. Pájaros, 7. La puerta, 8. Cara de rojo. 9. Pica pica, 10. En tu cara, 11. Escaleras, 12. Tren

Julio César Crivelli (voz y guitarra), Feredico Wiske (guitarras), Agustín Pardo (bajo), Ignacio Valdez (sintetizadores) y Mariano Repetto (batería)

www.myspace.com/bicicletas